Par l'un des acteurs les plus emblématiques de l'histoire du cinéma, le récit étonnant, jalonné de révélations, d'une vie entièrement consacrée à la création. Pour le grand public, Al Pacino explose sur la scène telle une supernova. Il décroche son premier rôle dans Panique à NeedlePark, en 1971, et en 1975 il a déjà été la tête d'affiche de quatre films - Le Parrain et Le Parrain 2, Serpico et Un après-midi de chien- qui ne sont pas seulement des succès mais des monuments de l'histoire du cinéma. Ses interprétations deviennent légendaires, et changent à jamais sa vie. Depuis Marlon Brando et James Dean à la fin des années 1950, aucun acteur n'a eu un tel impact culturel.
À trente-cinq ans, Pacino a alors déjà vécu plusieurs vies. Figure du théâtre d'avant-garde à New York, il a mené une existence bohème, vivant de petits boulots pour financer sa passion. Après le départ de son père quand il est petit, il est élevé par une mère farouchement affectueuse mais souffrant de troubles mentaux. Il grandit
dans les rues du South Bronx, au milieu de la troupe de jeunes copains rebelles et déchaînés avec qui il traîne et dont le souvenir ne le quittera jamais. Le sort en est jeté le jour où une enseignante se rend compte que sa présence sur scène est prometteuse et l'envoie au célèbre lycée des Performing Arts. Jouer la comédie est devenu sa ligne de vie, sa communauté est devenue sa tribu, au cours de périodes fastes et moins fastes, de phases de pauvreté et de richesse, de moments de douleur et de joie.
Sonny Boy est l'autobiographie d'un homme qui n'a plus rien à craindre et plus rien à cacher. La part belle est faite à tous ses grands rôles, aux collaborations essentielles et aux relations importantes, mais aussi au mariage délicat entre la créativité et la célébrité au plus haut niveau. Le fil conducteur du livre, cependant, est la passion et la détermination. L'amour peut vous faire défaut, et vous pouvez échouer dans vos ambitions - les lumières qui brillent peuvent aussi pâlir. Mais Al Pacino a eu la chance de tomber amoureux de son art bien avant d'avoir la moindre idée des récompenses terrestres qu'il lui apporterait, et cet amour n'a jamais faibli. C'est ce qui a fait toute la différence. Lire la suite Fermer

Le haïku japonais est le plus souvent connu au travers des oeuvres de Bashô, Buson, Issa et Shiki. Pourtant, de nombreuses femmes, maîtresses de haïkus, ont influencé la poésie japonaise depuis plus de trois siècles jusqu'à aujourd'hui.
Cette sélection de 60 haïkus vous fera découvrir des auteures classiques ou contemporaines, des femmes connues pour certaines dans leur pays : Teijo Nakamura, Momoko Kuroda, Nobuko Katsura...
Les thématiques abordées sont : amour, souffrance, quotidien, enfants.
Ces haïkus sont illustrés par différents peintres des XVIIIe, XIXe et XXe siècles : Utamaro Kitagawa, Goyo Hashiguchi, Suzuki Harunobu, Kiyoshi Saito...

Traduit par Dominique Chipot et Makoto Kemmoku.

Ce nouveau volume des "Classiques en images" propose de renouer avec la tradition du poème court japonais à travers une sélection de 60 haïkus exclusivement consacrés au monde culinaire.

Ce recueil célèbre avec poésie et raffinement le rapport entretenu avec la nourriture, la boisson, les sensations que procurent le fait de préparer le repas, de boire le saké, de couper un poisson. Il montre que ces manières de boire et de manger relèvent tout autant du nécessaire que du spirituel.

Parmi les auteurs, nous retrouvons : Bashô, Kazué Asakura, Buson, Yûji, Masajo Suzuki, Kikaku, Teijo Nakamura, Takako Hashimoto, Chora...

Ces haïkus sont illustrés par des estampes d'artistes des XVIIIe et XIXe siècles comme Utagawa Kunisada, Kitagawa Utamaro, Torii Kiyonaga, Utagawa Hiroshige...

Après les Haïkus des quatre saisons illustrés par Hokusai, ce nouveau volume des "Classiques en images" renoue avec la tradition du poème court japonais : 67 haïkus de Basho, choisis pour égrainer le temps qui passe... Une journée, une année, une vie sous le pinceau d'Hokusai. Un recueil qui nous invite à penser le temps autrement.

LE TOUT PREMIER LIVRE OFFICIEL !

Publié à l'occasion du 10e anniversaire de BTS, ce livre dévoile des anecdotes qui vont au-delà de ce qui a déjà été dit sur BTS et comprend des photos inédites, des QR codes vers des vidéos, et toutes les informations sur la discographie complète du groupe.

Après avoir fait leurs premiers pas dans le monde le 13 juin 2013, BTS célèbrera le dixième anniversaire de leurs débuts en juin 2023. Le groupe de K-Pop emblématique, qui a su se hisser au sommet, est devenu une icône mondiale. Dans ce tout premier livre officiel, ils reviennent sur leur parcours. Ce faisant, BTS choisit de faire un pas de plus sur une voie que personne n'avait empruntée avant, et espère ainsi apporter sa contribution pour un avenir plus lumineux.

BTS y partage des histoires personnelles, les coulisses de leur parcours, à travers des interviews étalés sur plus de trois ans de travail en immersion complète par Myeongseok Kang, qui a déjà écrit sur la K-pop et sur d'autres pop-culture coréennes dans divers médias. Présentées par ordre chronologique en sept chapitres, des débuts de BTS jusqu'à aujourd'hui, leurs voix saisissantes et leurs opinions s'harmonisent pour raconter leur histoire sincère, vivante et profonde. Au cours d'entretiens individuels réalisés sans fard et sans caméra, les BTS abordent leur parcours musical sous de multiples angles et discutent de ce que cela signifie pour eux.

Le livre s'ouvre sur des portraits montrant les garçons de BTS en tant qu'individus et artistes, mais il présente également des photos conceptuelles, ainsi que la tracklist de tous les albums et plus de 330 QR codes. En tant qu'artistes connectés, les membres du groupe BTS ont communiqué avec le monde entier sur Internet et ce livre permet aux lecteurs d'accéder immédiatement aux trailers, aux vidéos de leurs chansons, et plus de contenu encore, pour mieux comprendre tous les moments clés de l'histoire du groupe. Complet, avec la chronologie de toutes les grandes étapes de leur parcours, BEYOND THE STORY constitue une remarquable archive - tout ce qu'il faut savoir à propos de BTS réuni dans un seul livre. Lire la suite Fermer

Après les Haïkus des quatre saisons illustrés par Hokusai, ce nouveau volume des "Classiques en images" propose de renouer avec la tradition du poème court japonais à travers ce second tome exclusivement consacré aux mondes végétal et animal. Illustrés par les grands maîtres de l'estampe japonaise, d'Utamaro à Hiroshige en passant par Hokusai, ce recueil célèbre avec poésie et raffinement les beautés d'une nature magnifiée.

Une façon nouvelle, destinée au grand public, de découvrir ce mouvement majeur de l'art total Héritier des courants d'avant-garde, le Bauhaus représente au XXe siècle la référence fondamentale pour tous les mouvements innovants dans le domaine du design et de l'architecture à travers la voix de ses maîtres comme Klee, Kandinsky, Albers, Mies van der Rohe...

Ce roman graphique, composé de trois chapitres, raconte son histoire de sa création à Weimar par Gropius en 1919 à la fin de la Première Guerre mondiale, jusqu'à son déménagement en 1925 à Dessau et sa fermeture par les nazis à Berlin en 1933.

En 1968, alors que Pasolini terminait le tournage de Theorème, le journaliste Jon Halliday (alias Oswald Stack) interviewe pendant plusieurs semaines le cinéaste et poète pour qu'il approfondisse avec lui une sorte d'autoportrait personnel et intellectuel, et analyse en profondeur sa carrière littéraire et cinématographique et ses positions politiques. Un document exceptionnel sur l'artiste et l'homme.

Pasolini est à un tournant capital de son oeuvre et de sa vie. Sans avoir encore rencontré un très large public (que ses derniers films lui donneront), il est considéré, aux yeux du monde entier comme une figure majeure du cinéma, de la poésie, du roman et de la vie politique italienne, en tant qu'artiste novateur et observateur unique de l'Italie d'après-guerre. Source d'informations irremplaçables, notamment sur son enfance et sur la genèse de tous ses films, cet entretien n'a jamais été traduit, après sa double publication simultanée, en anglais et en italien. Une publication posthume en Italie (1992) ajouta des éléments concernant les films successifs, et notamment un entretien sur les Contes de Canterbury. Le traducteur ajoute un long chapitre en forme de postface qui rend compte des six dernières années de Pasolini, de ses films ultérieurs, de sa mort. De nombreux photogrammes, photos de plateau et photos d'archives illustrent la conversation.
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Depuis la ville d'Edo, où Hokusai est né, jusqu'au Mont Fuji, dont ses "trente-six vues" restent célèbres, en passant par la figuration du bouddhisme dans son art ou encore les traditionnels cerisiers en fleurs, ce roman graphique explore la vie d'Hokusai parallèlement à sa vision du Japon. Le lecteur découvre ce pays grâce aux oeuvres de l'artiste, qui ont fortement participé à en forger l'imaginaire collectif, au Japon mais aussi dans le monde occidental. Depuis les impressionnistes, l'art d'Hokusai a influencé nos notions de force et d'harmonie. Ce roman graphique réunit des éléments biographiques avec des descriptions écrites et illustrées de la culture et de la tradition japonaises, deux aspects qui ne peuvent être dissociés.

Trois parties dans cette éducation sexuelle et intellectuelle d'un adolescent marocain.
L'enfance, chaleureuse et chargée de sensualité au sein de sa famille. Le père a sa chambre, le
grand frère la sienne. L'auteur dort avec sa mère et la troupe de ses soeurs (ils sont 13 enfants).
Tout le monde suit de près les rituels amoureux des parents : étreintes suivies de déchaînements
de jalousie.
Il a 13 ans quand son grand frère qu'il admire - il lui prête des livres - l'emmène en vacances à
Tanger. Il le voit nu et tombe amoureux. Choc violent. D'autant que le grand frère s'entiche d'une
fille... affres du désir, de la jalousie, du sentiment d'une différence qui le bouleverse.
A 20 ans, il atterrit à Genève. Brillant étudiant, il vient y finir ses études. Au Maroc, il est devenu
l'amant d'un professeur suisse. Mais il l'a quitté. Cet homme l'étouffait sous son amour. Il espérait
trouver en Europe la liberté. Mais seul, loin des siens, dans la grande ville, beaucoup le considèrent
comme une « petite pute marocaine ».
Le livre est à la fois cru et délicat, naïf et malin. Un itinéraire d'équilibriste où le ton balance entre
humour et déchirement.
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À l'aube de ses quatre-vingts ans, David Hockney a recherché pour la première fois la tranquillité à la campagne, un lieu où observer le coucher du soleil et le changement des saisons, un endroit où tenir à distance la folie du monde. Ainsi, lorsque la Covid-19 et le confinement ont frappé, cela n'a pas changé grand-chose à la vie à La Grande Cour, la ferme normande plusieurs fois centenaire où Hockney avait installé son atelier un an auparavant.

On ne reporte pas le printemps est un manifeste qui célèbre la capacité de l'art à divertir et à inspirer. Il s'appuie sur une multitude de conversations et de correspondances inédites entre David Hockney et le critique d'art Martin Gayford, son ami et collaborateur de longue date. Leurs échanges sont illustrés par une sélection de peintures et de dessins inédits réalisés par l'artiste sur son iPad en Normandie, en lien avec des oeuvres de Van Gogh, Monet, Brueghel et d'autres encore.

Constamment poussé à aller de l'avant par son enthousiasme contagieux et son sens de l'émerveillement, à contre-courant depuis toujours, mais très populaire depuis soixante ans, Hockney ne se préoccupe pas de l'opinion des critiques. Totalement absorbé par son environnement et les thèmes qui le fascinent depuis des décennies: la lumière, la couleur, l'espace, la perception, l'eau, les arbres, il a beaucoup à nous apprendre, non seulement sur notre façon de voir... mais aussi sur notre façon de vivre.
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Cette anthologie présente des planches illustrées d'anatomie, révélant comment les secrets du corps ont fasciné les savants, les artistes, mais aussi les profanes. De la Renaissance jusqu'au XXe siècle, les croyances et les savoirs sur le sujet ont évolué de manière spectaculaire. Ce livre retrace l'incroyable diversité des représentations anatomiques, et leurs implications sociales, scientifiques, philosophiques et artistiques. Tous les artistes ont étudié l'anatomie afin de toucher de plus près la vraisemblance de leurs personnages. Elles sont présentées non pas par ordre chronologique, mais organisées en fonction des parties du corps ou de ses systèmes, pour mieux souligner la richesse des approches métaphoriques ou artistiques, et les différents styles utilisés pour comprendre et représenter le corps humain.

Il est peu de pages sur la peinture de cézanne (sur la peinture tout court, peut-être) plus denses et plus justes que cet ensemble de lettres et fragments de lettres adressées par rilke à sa femme, le sculpteur clara westhoff, entre le 3 juin et le 4 novembre 1907, autour de la première rétrospective parisienne du peintre d'aix.

Rien d'étonnant à cela. au moment oú rilke devait faire accepter à clara que chacun d'entre eux menât son combat de son côté, le plus grand exemple de cézanne, encore plus radicalement enfermé dans son travail que rodin, leur maître à tous deux, venait à point légitimer ce choix. plus profondément, en ce moment de sa vie oú le poète commencer à s'affermir, en cette année de 1907 dont l'été lui avait donné nombre de poèmes nouveaux, rilke pouvait voir dans les tableaux de cézanne le modèle le plus admirable de ces " choses d'art " objectives et " miraculeusement absorbées en elles-mêmes " auxquelles il tendait lui-même ; lui, le poète le plus exposé à voir, comme son narcisse, sa substance se diluer stérilement dans l'air.

Ce volume constitue la traduction intégrale de l'édition préparée à insel verlag par h. w. petzet en 1983, à partir de celle réalisée sur le voeu et du vivant de clara rilke en 1952.
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John Lyndon, alias Johnny Rotten, chanteur des Sex Pistols, créateur du groupe PiL, est une icône de la contre-culture, une icône de la musique, de la mode et de la politique. Ses chansons incendiaires « God save the Queen » et « Anarchy in the UK » ont fait de lui la cible des tabloïds et de mouvements anti-punks qui lui ont valu d'être molesté, jusqu'à recevoir des coups de couteau et manquer de justesse perdre un oeil. L'année 1977, il l'a passée quasi reclus, alors que son impact sur toute une jeunesse révoltée prenait une place énorme. « Le Parlement a voulu me condamner pour trahison, aucune rock star n'a connu ce traitement à ma connaissance. Moi, je riais. J'étais le seul à avoir le courage de me lever et de dire ce que j'ai dit, et beaucoup de gens n'attendaient que ça. » Puis John, l'instigateur du mouvement punk rock (un terme qu'il n'a jamais approuvé), s'est libéré de tous les costumes qu'on lui a collés et s'est réinventé en créant PiL, mélange de reggae, disco, de musique africaine et de rock. Il n'est jamais là où on l'attend.
Il raconte les débuts de sa vie dans un quartier mal famé de Londres, où, tout petit, il a contracté la méningite en jouant dans des flaques d'eau contaminées par la pisse de rat. On assiste avec lui à la création des Pistols avec son ami Sid Vicious, nommé ainsi en hommage à son hamster. Il croque à sa manière très personnelle son entourage : Malcolm McLaren, Vivienne Westwood, Richard Branson, Souxsie Sioux ou Paul Weller, Nora Foster, sa femme depuis 30 ans. Il se souvient des descentes de police, de la drogue, de sa carrière d'acteur à NY avec Harvey Keitel, de ses sessions avec David Bowie et Roger Waters. Malgré tous les livres qui sont sortis sur le punk et les années 80, John Lyndon est resté un mystère. Voici ses mots, puissants comme des balles.
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Les textes inédits de Marilyn Monroe, écrits entre 1943 et 1962.
Tout un univers intérieur pour découvrir l'autre face de l'icône.

Matisse est l'un des peintres les plus aimés de notre époque.
Pourtant, il a fallu attendre ce livre pour que l'histoire de sa vie paraisse au grand jour. comme le savait déjà aragon, cette vie est un roman.
A la charnière du xixe et du xxe siècle, matisse est le héros moderne. au cours de cette période, des forces puissantes se mettent en mouvement. il les capte, s'aimante et se forme à leur contact. tout s'enchaîne : paris, la politique, les " affaires " ; signac et le mouvement anarchiste ; gertrude stein et picasso ; un village nommé collioure ; les insultes, le mépris des représentants de l'art officiel ; l'amour, la solitude, l'ascèse.
Et l'explosion de la couleur.
Guidée par nue intuition sans faille, hilary spurling raconte de manière magistrale comment, en france, l'art, les idées et la vie fusionnent pour produire un matisse. mais surtout, elle va chercher jusqu'aux racines : l'enfance dans une petite ville picarde, au milieu des fumées d'usine, la famille, les prussiens, l'austérité, toute une pré-histoire à laquelle matisse va s'arracher, en payant le prix fort.

Salué lors de sa parution en angleterre, puis aux etats-unis, comme un chef-d'oeuvre, ce livre, fruit de huit années de recherches, devrait trouver sa place parmi les grandes biographies de notre temps.
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Les premières années de cette période de la vie d'henri matisse sont décisives : premières commandes russes, soutien de ses amis picasso, derain, bonnard.
Puis c'est le choc. l'enfant du nord découvre la lumière et les couleurs du sud: l'andalousie, tanger, collioure, la côte d'azur. enfin, en 1945, c'est la reconnaissance tardive dans son propre pays. dans ce second volet du diptyque consacré au peintre, hilary spurling réfute les mythes souvent admis comme réalité historique, et qui ont pu déformer les réactions du public. d'une part, la réputation d'un matisse froid, frivole, amateur de jeunes femmes n'est étayée par aucun élément de sa biographie ni de sa correspondance.
D'autre part, accusé de désinvolture dans sa vie comme dans sa peinture, matisse apparaît en réalité comme un esprit inquiet, esclave de son art. " je peins pour oublier tout le reste ", disait-il. c'est donc une vision neuve d'henri matisse que nous propose hilary spurling, dans un ouvrage d'une vitalité foisonnante, écrit avec un luxe de détails, d'anecdotes et de portraits, riche en suspense et coups de théâtre, et qui se lit comme un roman.
Ce volume a été couronné par le prix whitbread, rarement attribué à une biographie.
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Attention ce livre est différent des autres titres de la collection : l'art rupestre n'est que le point de départ d'une étude beaucoup plus large sur les Indiens des Grandes Plaines américaines.
Les guerriers indiens des Grandes Plaines ont toujours frappé l'imaginaire. Ce sont les Indiens tels qu'on les représente dans les films et dans les livres. Leurs noms, les Cheyennes et les Blackfeet, les Sioux et les Crows, ont fait rêver des générations.
Leur art rupestre, en revanche, était très peu connu, sauf de quelques spécialistes. James D. Keyser l'a étudié depuis le sud de l'Alberta, au Canada, jusqu'au nord du Colorado. Cet art, dispersé sur des rochers, des pieds
de falaises ou sur les parois d'abris, retrace les mythes et les rites, il commémore des batailles et des hauts faits, il s'adresse aux dieux et aux esprits autant qu'aux hommes.
L'auteur ne s'est pas contenté d'étudier et de présenter la diversité de cet art, ses thèmes, sa chronologie et son rôle. Il l'illumine par ses connaissances du milieu où il fut créé. Les traditions se sont perpétuées sur les Grandes Plaines et les témoignages historiques abondent sur les croyances et les pratiques dont témoigne l'art rupestre. L'auteur cite fréquemment, à ce sujet, les paroles d'Indiens.
D'autres formes d'art, sur les peaux de bison et plus tard sur des registres, ont également existé. James D. Keyser les a utilement mises en parallèle avec l'art rupestre. Ce livre donne donc une vue générale non seulement d'une forme d'art encore méconnue mais de la vie véritable des Indiens des Plaines, jusqu'à ce que l'arrivée des Blancs la fasse changer à tout jamais.
Un texte très accessible, de nombreuses illustrations inédites.
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100 idées qui ont transformé la mode raconte l'histoire des révolutions qui ont bouleversé la mode féminine occidentale de 1900 à aujourd'hui grâce à des inventions marquantes comme la fermeture Éclair ou le nylon ou, plus indirectement, par les effets de grands événements politiques ou économiques comme les deux guerres mondiales, la libération des femmes, la production en série ou la mondialisation. En effet, comment aurait-on pu se figurer en 1900, à l'époque des corsets et des robes amples, qu'apparaîtraient un jour le bikini, la minijupe ou les achats par Internet ? Si notre siècle est à la hauteur du siècle dernier, il apportera probablement des défis et des innovations encore inimaginables aujourd'hui.

Trente albums, du Velvet Underground aux derniers textes pas encore enregistrés. Derrière l'icône rock, une oeuvre de poésie urbaine qui traverse un demi-siècle.

Trois siècles après sa mort, Rembrandt demeure le plus aimé et aussi le plus mystérieux des grands maîtres de la peinture, même si les nombreux autoportraits jalonnant son existence nous ont rendu son visage familier. En réalité nous possédons peu d'éléments biographiques : le fils du meunier de Leyde qui fut brièvement célèbre à Amsterdam et dont le génie fut apprécié de ses contemporains par intermittence, connut la ruine et mourut dans la pauvreté. Pourtant aucun artiste n'a autant stimulé l'imagination, aucun autre ne s'est vu attribuer autant d'oeuvres -- le processus inverse est d'ailleurs en cours.
Pour Simon Schama, dont le livre a été en gestation pendant 20 ans, c'est dans les tableaux qu'il faut rechercher la véritable biographie de Rembrandt. L'étude qu'il nous fait de son parcours est minutieuse, se fonde sur un examen très fouillé de nombreux tableaux et dessins, d'un ton singulièrement personnel et passionné, d'une autorité parfois agressive, aussi convaincante que provocante.
Ce livre dépasse largement les frontières de la biographie conventionnelle. Avec une immense sympathie pour son sujet et une profonde connaissance de la Hollande et des Hollandais au 17ème siècle (cf déjà L'embarras de richesses), Schama recrée le monde tel que Rembrandt le voyait et le percevait, avec ses bruits, ses odeurs, ses événements politiques, les influences qu'il eut à subir : à savoir les luttes acharnées entre Provinces Unies protestantes et Espagne catholique, le calvinisme austère dans sa Leyde natale ; les exigences des mécènes, les ambitions des contemporains ; l'importance des femmes (Saskia l'épouse bien aimée, Hendrickje Stoffel la maîtresse) ; et avant tout l'ombre écrasante du grand catholique anversois Pierre Paul Rubens, dont la carrière obséda Rembrandt pendant la première partie de sa vie.
Un livre à facettes multiples débordant d'énergie intellectuelle. Schama a pleinement et brillamment rempli son objectif principal qui était de montrer comment Rembrandt est devenu Rembrandt, comment celui qui voulait être le Rubens de la Hollande -- et qui a échoué dans cette ambition -- est devenu peu à peu le maître admirable que nous mettons aujourd'hui au-dessus du peintre d'Anvers.
Jamais livre ne nous a plongés pareillement dans l'oeuvre et la vie non pas d'un mais de deux peintres, le modèle Rubens, et surtout le disciple Rembrandt, en les replaçant dans une fresque historique et sociale d'une magnifique ampleur.
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de 1970 à 2000, peter brook a eu des entretiens réguliers avec l'une des personnalités les plus connues de la critique théâtrale new-yorkaise, margaret croyden.
ce livre est le recueil de l'ensemble de ces entretiens. face aux questions pertinentes et souvent directes qui lui sont posées, peter brook est amené à s'expliquer sur sa conception du théâtre et de la mise en scène, son rapport au décor, aux costumes, aux acteurs, son dialogue avec les autres cultures... mais aussi sur la genèse des différents spectacles, leur construction et leur place spécifique dans l'évolution de son travail.
ce livre nous fait accéder au foyer central d'une oeuvre qui a profondément enrichi la scène contemporaine : que cherche peter brook dans et à travers le théâtre oe

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Dans cet ouvrage remarquable, les idées, les anecdotes, les passions et l'humour de Hockney élaborent son point de vue sur les problématiques et les paradoxes de la représentation d'un monde en trois dimensions sur une surface plane. Hockney suggère que « dessiner apprend à regarder [et que] plus on dessine, mieux on y voit ». Quels sont les liens qui unissent les images que nous fabriquons à la réalité qui nous entoure ? Comment l'évolution des technologies a-t-elle affecté la manière dont les artistes représentent le monde ? Et comment apprécier à sa juste valeur le plaisir simple de contempler des arbres, des visages ou des couchers de soleil ?
Nos deux interlocuteurs ponctuent leur conversation d'observations éclairantes sur nombre d'autres artistes comme Van Gogh ou Vermeer, le Caravage, Monet ou Picasso, et formulent des remarques lumineuses sur le contraste frappant entre les paysages de la Californie, où Hockney a passé tant d'années, et du Yorkshire, la région de son enfance où il vit à nouveau aujourd'hui.
Quelques-uns des artistes qu'il a rencontrés en chemin, notamment Henri Cartier-Bresson et Billy Wilder, font des apparitions intéressantes au détour du dialogue.
Autoportrait unique et fascinant de l'un des artistes britanniques les plus célèbres et les plus influents de son temps, Conversations avec David Hockney deviendra sans nul doute un ouvrage de référence sur la nature de la création.
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Comme un petit guide sentimental, le carnet de dessins, croquis et peintures que le peintre Kaii Higashiyama accompagne de ses réflexions poétiques nous permet d'entrer au coeur de la ville de Kyôto, avec ses temples, ses jardins de pierres, ses monastères, ses paysages envoûtants, bambouseraies, jardins de mousses, pavillons de thé, défilés, fêtes et cortèges, rituels et coutumes ancestrales. Ce livre sera un précieux compagnon pour tous les voyageurs qui ne se contentent pas de promenades superficielles, mais veulent sortir des sentiers battus. Ce journal illustré est préfacé par le prix Nobel Yasunari Kawabata qui a lui-même situé plusieurs de ses livres à Kyôto, l'ancienne capitale.