Un match visuel amical entre ces deux villes, c'est le regard croisé d'un amoureux de Paris sur un New York, rempli de détails, de clichés et de contradictions. Suivez le guide !

(Texte provisoire)

ISBN 9782351251195

Le Cabinet de l'amateur. Kamasutra des grenouilles. Bestiaire érotique de Tomi Ungerer

Kamasutra des grenouilles. Bestiaire érotique de Tomi Ungerer
Si une part de l'ouvre érotique de Tomi Ungerer est bien connue du grand public - on pense au Fornicon, à l'Erotoscope, à Totempole, ou encore aux dessins sur le vif des prostituées de Hambourg - celle-ci est souvent marquée par une volonté de dénoncer la mécanisation des corps ou les rapports de force sociaux. Ce Kamasutra des grenouilles est l'occasion de faire connaître en France un érotisme plus léger et rabelaisien, s'éloignant de l'érotisme noir et interprétant joyeusement les positions du Kamasutra indien.
Impertinent, ironique et drôle, ce bestiaire érotique sait amuser et émoustiller avec grivoiserie et gaité.

Auteurs : Tomi Ungerer, Thérèse Willer, conservateur du musée des Arts décoratifs Lire la suite Fermer

Un coffret pensé en collaboration avec Richard Peduzzi et le Mobilier national à l'occasion de l'exposition "Perspective" à la Galerie des Gobelins qui se tiendra du 16 octobre au 31 décembre 2024. Cette exposition réunit des oeuvres de 1960 à nos jours (une centaine de peintures et de dessins, une dizaine de maquettes de décors de théâtre et d'opéra, ainsi qu'une collection de mobilier comprenant également luminaires, objets et tapis) et privilégie un dialogue dynamique entre elles, offrant ainsi un aperçu de la créativité transversale et audacieuse de l'artiste.
Le coffret comprend un livret de l'exposition et une cinquantaine d'illustrations au format carte postale des plus belles oeuvres de Richard Peduzzi.

Célèbre et reconnue dans le monde entier, la peinture impressionniste fascine toujours autant. Comment ce courant artistique majeur de l'histoire de l'art est-il né ? Pourquoi son image a-t-elle été, à ses origines, associée au scandale ? Quelle méthode ces précurseurs de l'art moderne ont-ils privilégiées ? Quelle technique ont-ils inventée et quels étaient leurs thèmes de prédilection ?

De Monet à Renoir, en passant par Manet et Degas, suivez le chemin emprunté par ces maîtres de l'art du paysage, qui ont quitté leur atelier pour peindre en plein air et investi la ville pour en livrer une représentation inédite. Découvrez comment ils ont capté la lumière, peint l'instant et ainsi restitué un univers de sensations.

Richement illustré, ce bel album dévoile le parcours historique et passionnant des figures de ce mouvement pictural, qui a bouleversé et ébranlé l'art du xixe siècle en France comme à l'étranger et donne toutes les clefs pour le comprendre. Lire la suite Fermer

Publié à l'occasion de l'exposition Fragonard amoureux au musée du Luxembourg du 16 septembre 2015 au 24 janvier 2016.

Selon les frères Goncourt, le XVIIIe siècle fut le siècle de la séduction et de l'intrigue amoureuse.
Ils firent de Jean Honoré Fragonard (1732-1806) le principal illustrateur, voire le principal agent, de ce postulat.
L'inspiration amoureuse parcourt en effet l'oeuvre protéiforme du « divin Frago », selon des modalités variées mais spécifiées, souvent en écho avec les transformations et les préoccupations de son époque. Celle-ci accompagnera les derniers feux de la galanterie pour emprunter ensuite les voies diverses de la polissonnerie et du libertinage ou de l'amour sincère et moralisé.

La question de l'articulation délicate de la sensualité et du sentiment est centrale dans l'espace intellectuel, philosophique et littéraire au milieu du XVIIIe siècle, lorsque les Lumières se passionnent pour le sensualisme venu d'Angleterre.
Cette même question est centrale dans l'oeuvre de Fragonard tout au long de sa carrière.
Le propos du catalogue est donc bien d'explorer les diverses variations autour de ce thème du sentiment ou de l'impulsion amoureux, inlassablement repris et enrichi par l'artiste. Lire la suite Fermer

À ce jour, «De Pictura» de Leon Battista Alberti s'est vendu à plus de 7 340 exemplaires.
«La Naissance de Vénus et le Printemps de Sandro Botticelli» d'Aby Warburg s'est vendu à plus de 2 660 exemplaires.

Bilingual French-English edition Impressionist Paris Monet peint les fumées de la gare Saint-Lazare, Renoir saisit les reflets du Pont-Neuf dans la Seine, Pissarro figure l'avenue de l'Opéra depuis une chambre d'hôtel, Manet immortalise les serveuses de café de Pigalle, Caillebotte restitue les perspectives haussmanniennes... Tout autant que la côte normande ou la vallée de la Seine, Paris inspire les impressionnistes. Entre son fleuve et ses grands ciels, la capitale ne manque ni de nature ni de texture pour des palettes avides de saisir les jeux de la lumière. En prime, la ville apporte l'animation de ses rues, de ses métiers, de ses cafés, de ses loisirs...



Impressionist Paris Monet painted smoke clouding the Gare Saint-Lazare, Renoir captured the Pont Neuf's reflections in the Seine, Pissarro portrayed Avenue de l'Opéra from his hotel room, Manet immortalized waitresses in a café at Pigalle, Caillebotte depicted Haussmannian perspectives... The Normandy coast and the Seine Valley were not the only inspirations for Impressionists -Paris was as well. Between its river and its tall skies, the French capital lacked neither nature nor textures for artists intent on encapsulating plays on light. Not to mention the bonus of the city's lively streets, workers, cafés and entertainment... Lire la suite Fermer

À l'occasion du trentième anniversaire de la Pyramide du Louvre, Jean-Michel Othoniel a été invité par le musée à réaliser un ouvrage témoignant de l'importance des fleurs dans les huit départements que compte celui-ci. L'artiste compose un herbier inédit accompagné des notes qu'il a écrites sur le langage secret des fleurs et sur leur symbolique dans la peinture ancienne. Il en révèle ainsi leur sens caché en contant leurs histoires et leurs mythologies. Cet ouvrage se présente comme un carnet abécédaire que l'artiste a nourri au fil des salles du musée du Louvre où on retrouve le chardon dans l'autoportrait de Durer, le pavot dans la stèle funéraire de Paros, la pomme posée sur le tabouret dans le verrou de Fragonard, ou encore la pivoine dans la chemise dégrafée de la jeune fille à la cruche cassée de Greuze.
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Le Japon est loin. Parce que ce n'est pas une terre de passage. Les Occidentaux, avec Alexandre le Grand, sont arrivés en Inde au IVe siècle avant J.-C., Marco Polo s'est rendu en Chine à la fin du XIIIe siècle, les Portugais ne sont arrivés au Japon qu'au milieu du XVIe siècle ; au milieu du XVIIe siècle, les Japonais avaient déjà fermé leurs frontières, pour ne les rouvrir qu'en 1853, grâce à l'intervention des États-Unis.

Le flot de précieux objets japonais (porcelaine, textiles, peintures, objets, estampes) n'a jamais cessé d'arriver en Europe. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, ce sont les impressionnistes - Monet et Manet surtout, mais aussi Whistler, Gauguin, Van Gogh, Toulouse Lautrec - qui sont envoûtés par la simplicité et la lisibilité de l'art japonais. Une forme de poésie visuelle faite de très peu d'ingrédients. Une tendance, trait caractéristique d'un style qui fait du goût japonais l'un des modèles, tant pour de nombreux artistes que pour les architectes, les designers, les stylistes, les publicitaires, les photographes, les illustrateurs et même les cuisiniers tout au long du XXe siècle et jusqu'à nos jours. Les mangas, par exemple.

Ce livre est consacré à ce phénomène amoureux, nous accompagnant, des premiers signes d'une relation en construction à l'explosion de l'impressionnisme - auquel la majeure partie du livre est consacrée - mais aussi aux avant-gardes du XXe siècle, au Bauhaus, jusqu'aux mangas. Lire la suite Fermer

Un choix parmi les principaux textes de l'artiste, qui a abordé la peinture dans l'esprit des leçons de choses. Sous cet angle, il a instruit le procès systématique de l'image visuelle dont il s'est plu à souligner les défaillances et à marquer le caractère dépendant des figures de langage et de pensée.

Angles aigus, formes étranges, couleurs intenses et perspectives déformées sont autant de marques de fabrique de l'expressionnisme, mouvement du 20e siècle faisant primer l'émotion sur la réalité objective. Particulièrement important en Allemagne et en Autriche, ce mouvement a vite pris une dimension internationale et est aujourd'hui considéré comme une des évolutions capitales de l'histoire de l'art. À travers ses groupes majeurs, Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), et ses figures aussi importantes que Wassily Kandinsky, Egon Schiele ou Emil Nolde, l'expressionnisme a renié l'impressionnisme considéré comme un «homme rabaissé au rang de gramophone du monde extérieur», pour décrire à la place une expérience crue et viscérale de la vie, telle qu'elle était vécue plutôt que perçue de manière superficielle. Les tableaux expressionnistes débordent d'une force sensible, transmise notamment par des palettes de couleur intenses et non naturalistes, d'amples traits de pinceaux et d'épaisses textures. En s'attachant aux tendances stylistiques du groupe, à ses influences et à ses principaux protagonistes, ce livre introductif explore le panorama expressionniste d'humeurs, d'idées et d'émotions et sa quête constante de profonde authenticité. Lire la suite Fermer

Ce catalogue en français accompagne une grande exposition annoncée au MACBA de Lausanne à l'occasion des 100 ans de la publication du Manifeste du Surréalisme par André Breton. Cette exposition rend hommage au mouvement international et aux publications qu'il a générées. Son titre fait notamment référence à la revue Le Grand Jeu, qui a apporté de grandes innovations dans le domaine de la mise en page éditoriale. L'exposition Le Grand Jeu comporte deux volets. Le volet historique est structuré en trois séquences autour du jeu d'échecs, du jeu de Tarot et du jeu de dés à l'intérieur desquelles sont développées des notions structurantes du mouvement comme l'ésotérisme ou le hasard. Mais les vertiges suscités par cette libération de l'imaginaire ne cessent d'influencer notre manière d'envisager le corps, le langage et les objets dans leur capacité à se métamorphoser. Dans son second volet, l'exposition est donc également l'occasion pour des artistes contemporain.e.s de poursuivre l'élan de cet esprit libertaire, à la manière d'un grand cadavre exquis. Lire la suite Fermer

C'est la vue d'un port, une scène expérimentale aux touches imprécises, qui donna son nom à l'impressionnisme. Quand Impression, soleil levant de Claude Monet fut exposé en avril 1874, les critiques se sont emparés du nom de l'oeuvre et de son rendu esthétique en apparence mal maîtrisé de la lumière et du mouvement de l'eau pour désigner cette nouvelle tendance, impressionniste, de l'art.
Comme dans bien d'autres mouvements artistiques majeurs, les critiques d'art ont été bien mal inspirés. Aujourd'hui, l'impressionnisme est un sérieux candidat au titre de courant pictural préféré au monde. Avec ses expositions ultra-fréquentées, ses prix de vente aux enchères record et ses musées bondés, les oeuvres autrefois ignorées, car considérées comme inachevées ou floues, sont à présent vivement appréciées pour leur ambiance évocatrice du temps et des lieux ainsi que pour le sens artistique qui se dégage des coups de pinceau librement posés sur la toile.
Malgré sa popularité et une multitude de publications, certains aspects de la peinture impressionniste comme certains de ses artistes restent encore insuffisamment explorés. Cet ouvrage de TASCHEN entend combler cette lacune en traçant le portrait de pionniers injustement délaissés comme Berthe Morisot, Lucien Pissarro et Gustave Caillebotte et en se penchant sur les spécificités de l'impressionnisme, depuis la peinture en plein air jusqu'aux vifs contrastes de couleur, sans se limiter à la France, pays d'origine du mouvement, mais en abordant aussi les autres pays européens et l'Amérique du Nord. Lire la suite Fermer

Une enquête sur l'identité et la représentation sociale
Portraits cachés de Volker Hermes nous convie à un voyage fascinant à travers l'art du portrait, à une exploration des frontières entre identité et masques sociaux. L'artiste allemand a réalisé des collages photographiques à partir de portraits historiques, cachant délibérément les visages des modèles derrières des masques, des tissus, ou encore des perruques sophistiquées. L'intrigante particularité de ces oeuvres réside dans l'utilisation exclusive d'éléments déjà présents dans les peintures originelles : aucun ajout n'est effectué, seulement un savant remodelage de l'existant. L'intervention de l'artiste fait disparaître l'image derrière le masque, dissimulant l'individualité du modèle et réorientant notre attention vers les symboles statutaires et les conventions sociales de l'époque. Ce faisant, l'artiste nous invite à réfléchir à la façon dont notre regard contemporain, étranger aux codes vestimentaires du passé, perçoit ces images. Le masque devient métaphore de la difficulté de saisir l'essence des êtres au-delà des apparences et des rôles sociaux.
Dans la section finale du livre, Hermes révèle les images d'origine, en les accompagnant de brèves légendes informatives. Le travail de Hermes, loin de se limiter à une simple manipulation esthétique, offre au lecteur l'occasion d'une réflexion en profondeur sur le rôle de l'art comme instrument de représentation et sur le rapport complexe entre image et identité. Portraits cachés nous amène à réviser notre regard sur ces portraits anciens et, au-delà, à questionner leur signification intrinsèque et leur capacité à modeler notre perception de l'histoire et de la société. Lire la suite Fermer

L'Italie était pour Stendhal le pays où son âme pouvait flamboyer librement et exprimer toutes les palettes de ses émotions, de ses sensations, de lui-même.
Les femmes milanaises, les premiers opéras de Rossini, Giuditta Pasta, le comte Alfieri, Canova, les vestiges de Pompéi et de Paestum, tous les personnages et les moments de vie captés dans l'instant trouvaient dans les rues de Milan, de Florence, de Bologne ou de Naples, dans les campagnes lombardes, à la lumière de l'Italie, leur pleine intensité. Cette lumière, cette intensité, cet élan de l'âme, nous avons voulu les traduire en accompagnant ce récit de voyages des peintures romantiques les plus fortes et les plus évocatrices du sentiment de la beauté suprême au coeur duquel Stendhal vibrait.
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Quatre pionnières, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Marie Bracquemond et Eva Gunzalès, contribuent activement au développement de l'impressionnisme. Au cours des années 1880, alors que Paris s'impose comme capitale artistique internationale, cette esthétique nouvelle fait des émules parmi les artistes nordiques, britanniques, nord-américains ou australiens. Un peu partout dans le monde, il en résulte des tensions entre académies et mouvements d'avant-garde, sur fond de lutte pour la légitimation d'identités nationales.
Pour les femmes qui participent à ces mouvements, le combat se double d'une dimension supplémentaire : la reconnaissance du statut d'artiste à part entière et, plus généralement, l'obtention de droits équivalents à ceux des hommes.

Impératrices byzantines, révolutionnaires français et généraux espagnols: dans ce recueil de peintures impressionnantes, les figures les plus imposantes de l'Histoire vous regardent droit dans les yeux. Force et majesté irradient de chaque personnage représenté, qu'il s'agisse d'une veuve endeuillée, d'un politicien assassiné ou d'un joyeux groupe de rebelles ukrainiens.
Les auteurs Rose-Marie et Rainer Hagen débusquent la petite histoire et les secrets de 13 chefs-d'oeuvre signés par des artistes tels que Goya, Titien, Vélasquez et Ilya Repin. Royaux, saints ou sages, ces hommes et femmes vous inspireront par leurs conquêtes et leur énergie.
Les reproductions de ces chefs-d'oeuvre proposées par TASCHEN sont d'une qualité époustouflante, grâce à sa collaboration avec de prestigieuses collections d'art du monde entier, notamment à Bruxelles, Saint-Pétersbourg, New York et Naples. Ce livre, qui combine une analyse érudite et des agrandissements de détails des toiles, constitue une enquête historique unique et un hommage aux grands leaders du passé. Lire la suite Fermer

Au moment où la France devient industrielle et urbaine, les impressionnistes remettent à l'honneur les saisons, qui ont rythmé pendant des siècles la vie rurale. À Paris, dans les banlieues, Monet, Sisley, Pissarro, Renoir, Caillebotte, Morisot, Manet... deviennent les chantres des effets de la météorologie sur le paysage, mais aussi sur les activités humaines. Leur quête introduit dans la peinture la notion d'instant. Le temps qu'il fait devient le temps qui passe. Puis, à mesure qu'ils s'éloignent de Paris et de la modernité, les impressionnistes essaient, chacun à sa manière, de suspendre le temps en un éternel été.

Abondamment illustré, émaillé de nombreux témoignages et citations, cet ouvrage dépoussière une vision convenue de l'impressionnisme en resituant ce courant décisif dans son époque et son contexte. Accompagnant la révolution industrielle et le basculement du monde dans la modernité, l'impressionnisme naît de l'esprit dissident de jeunes artistes, prêts à affronter le mépris et l'opprobre pour émanciper l'art du carcan où il reste enfermé. L'histoire d'une libération.

Un livre intelligemment conçu, qui a connu un beau succès, et donc réimpimé.
Cette nouvelle édition a des tranches dorées et un sticker qui souligne son prix exceptionnel: 35€

Un voyage au coeur des plus fameux chefs-d'oeuvres du XIXe siècle.

Le musée d'Orsay, ouvert au public depuis presque vingt ans, possède l'une des plus belles et vastes collections d'art d'un siècle qui aura été tout à la fois rêveur, romantique, réaliste et visionnaire. Dans ce magnifique ouvrage, richement illustré, Margherita d'Ayala nous présente une sélection de chefs-d'oeuvre parmi les plus inoubliables de l'histoire de l'art du XIXe siècle. Elle couvre une période qui commence avec Ingres, le sublime maître de l'harmonie des lignes et des couleurs, se poursuit avec le réalisme et la peinture impressionniste et culmine avec les expériences de la fin de ce siècle, qui a ouvert la voie aux avant-gardes du XXe siècle.
Chaque peinture ou sculpture est étudiée dans son ensemble, puis traitée dans le détail et une comparaison est établie avec une autre oeuvre ou celle d'un autre artiste. L'auteur nous invite ici à un très joli voyage au coeur de la peinture et nous donne l'envie d'aller voir ou revoir ces chefs-d'oeuvre. Lire la suite Fermer

Durant toute sa carrière, des années 1860 jusqu'aux oeuvres ultimes au-delà de 1900, Degas a fait de l'Opéra le point central de ses travaux, sa « chambre à lui ». Il en explore les divers espaces - salle et scène, loges, foyer, salle de danse, s'attache à ceux qui les peuplent, danseuses, chanteurs, musiciens, spectateurs, abonnés en habit noir hantant les coulisses. Cet univers clos est un microcosme aux infinies possibilités et permet toutes les expérimentations : multiplicité des points de vue, contraste des éclairages, étude du mouvement et de la vérité du geste.

Cet ouvrage retrace l'histoire de l'impressionnisme, de ses mouvements précurseurs à son apogée, et lui apporte un regard nouveau en remontant aux sources normandes de cette révolution artistique. Boudin, Renoir, Monet, Courbet sont autant d'artistes mis en avant dans ce livre exceptionnel qui présente leurs oeuvres mais aussi leurs parcours respectifs. Jacques-Sylvain Klein revient d'abord sur la révolution romantique et naturaliste entre 1820 et 1850 (Turner, Isabey, Corot, Millet), puis aborde la quête de lumière des années 1850-1870 avec la représentation des lieux de villégiature de la côte normande par Boudin, Courbet, Monet ou Jongkind (Etretat, Fécamp, Honfleur, Trouville...) et enfin "la déferlante impressionniste" (1870-1900) avec les premières expositions impressionnistes par les maîtres Monet, Pissarro et Gauguin, et les célèbres séries de Monet (Meules, Cathédrales) qui peint à la fin de sa vie inlassablement "Les Nymphéas" apothéose de son oeuvre célébrant la nature et ouvrant de nouvelles perspectives à la peinture du début du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Après le Kamasutra des grenouilles et Roulez les mécaniques, la collection du Cabinet de l'amateur propose à nouveau une rencontre avec l'univers décalé et ironique de Tomi Ungerer. On s'initie à l'art du dessin-collage, on laisse libre cours à son imagination et on découvre des associations surprenantes, parfois absurdes, toujours poétiques.

Avec pour tropes préférés le mouvement et les machines, le futurisme a été fondé en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti avec les peintres Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, et Gino Severini. Ce groupe, auquel ont adhéré peintres, sculpteurs, designers, architectes et écrivains, a cherché à se débarrasser de l'establishment poussiéreux pour entrer dans une nouvelle ère d'élégance, de puissance et de modernité purifiée.
Le futurisme occupe dans l'histoire de l'art une place aussi ambivalente qu'importante. Le mouvement qui a inventé des méthodes révolutionnaires pour saisir mouvement, lumière et vitesse est aussi controversé pour avoir glorifié la guerre et la politique fasciste. Les tableaux frénétiques, presque furieux, des futuristes sont aussi remarquables par leur agressivité machiste que leurs expériences radicales autour du trait, de la texture et de la couleur dans leur tentative de saisir un objet en mouvement dans l'espace.
À travers des exemples clés de la prolifique production des futuristes et ses plus grands représentants, ce livre présente le mouvement qui a craché du vitriol sur tous les -ismes du passé, créant par là son propre -isme. Lire la suite Fermer