Troubadours et trouvères nous dévoilent leur art poétique. Les miniatures de l'époque exaltent cet univers d'une liberté d'esprit saisissante. Une prodigieuse force de vie et d'amour jaillit de la mise en regard des 110 poèmes et des 200 illustrations.
Poésie de coeur et poésie de cour, cette anthologie célèbre les quatre siècles fondateurs de la poésie française, du x??? au x?? siècle, de Guillaume IX d'Aquitaine à François Villon en passant par la comtesse de Die, Ruteboeuf, Christine de Pizan ou encore Charles d'Orléans.
" On doit au Moyen Âge, écrit Michel Zink dans sa préface, d'avoir tissé le lien indissoluble entre la poésie et l'amour. " Le soupirant rend hommage à sa dame par un poème parfait, stylisé et achevé, il transcende son amour par l'écriture. Ce faisant, ce Moyen Âge poétique invente l'amour courtois. Amants souffrant du mal d'amour, dames lointaines et messagers confidents contribuent à transformer les relations amoureuses à travers l'Europe et marquent durablement l'imaginaire de notre civilisation.
Troubadours et trouvères choisirent de composer dans leur langue maternelle, en langue d'oc et en langue d'oïl. Ils offrent ainsi leurs lettres de noblesse à une lyrique en langue vulgaire, c'est la naissance de la poésie moderne. Chaque poème est publié dans sa traduction en français moderne et dans sa version originale.
Une liberté d'esprit et un appétit de vivre saisissants émanent de cette production poétique. Par son humanité, sa tendresse et son humour, cette célébration de l'amour, de la vie et de la nature nous touche et nous inspire.


Si le gothique flamboyant des XIV? au XV? siècle évoque la monumentalité des cathédrales, il fait éclore des trésors d'art d'un tout autre genre, moins ostensibles, mais tout aussi sublimes : les peintures de manuscrits. Objet rare et recherché avec ses peintures magistrales, ses lettrines rehaussées d'or, ses reliures en ivoire, en or ou en velours, le manuscrit enluminé sort du strict cadre clérical.
Épris de luxe et d'éclat, princes et riches mécènes passent des commandes fastueuses, comme le Livre du Coeur d'Amour épris de Barthélemy d'Eyck, ou encore Les très riches heures du duc de Berry. Les artistes rivalisent de minutie et de délicatesse dans le rendu de la lumière, des proportions ou des perspectives qui annoncent déjà la Renaissance.
Ces trésors méconnus, conservés à cause de leur fragilité dans les fonds des bibliothèques et musées, sont ici dévoilés. Notre publication crée, à partir d'une sélection de 200 miniatures, de véritables tableaux, reproduits en de puissantes pleines pages. Un spectacle exceptionnel ! Lire la suite Fermer

- Une approche chronologique pour découvrir la représentation de la table et de la cuisine de l'Antiquité à nos jours - Une autre manière de découvrir l'histoire de l'art et d'enrichir nos connaissances sur les mets et la cuisine - Une iconographie riche et variée : Véronèse, Bruegel, Chardin, Monet, Picasso...

En un parcours à la fois thématique et chronologique, ce volume d'exception des éditions Citadelles & Mazenod offre une synthèse savante, détaillée et pédagogique des traditions et pratiques gastronomiques de l'Occident, de l'Antiquité au XXe siècle. Des images d'art superbement reproduites -fresques, décors de vaisselle, enluminures, gravures, tapisseries et tableaux -et des textes d'époque guident l'exposé de l'histoire de la table et de la cuisine, de leur lente laïcisation, de leur tension continue entre nécessaire repas et fastueux spectacle. Chaque époque a construit l'image de ses tables et de ses mets, reflet de son identité et de ses idéaux : l'art, à travers les siècles, a conservé ces représentations gasronomiques, en a fait un genre, un document pour l'historien et une source de fantaisie pour l'artiste. C'est l'histoire de cette fructueuse et savoureuse rencontre entre l'art, la cuisine et la table que Patrick Rambourg raconte et documente avec passion.
De la Mésopotamie antiques aux avant-gardes de "l'Eat Art", les pratiques et les rites, l'ordinaire des jours et les festins exceptionnels, le maigre et le gras, la nourriture sacrée et les délices de gourmandise sont dévoilés et richement illustrés.
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C'est à Paris, lors d'une exposition consacrée à Picasso en 1927, que Francis Bacon prend la mesure de sa vocation de peintre.
En 1946, il part s'installer pour quatre ans sur la Côte d'Azur, à Monaco. Son séjour dans la Principauté marquera un tournant dans son art : avec sa série de « papes », il sera désormais le peintre de la figure humaine.
C'est également à Paris qu'il noue des amitiés avec nombre d'artistes et d'intellectuels, comme Giacometi ou Leiris, et qu'il connaît sa consécration en 1971 avec la rétrospective au Grand Palais. En 1975, il prend même un pied-à-terre dans le Marais.

Ce livre raconte les liens intimes de Bacon avec la France et Monaco.

Redécouvrez l'art des préraphaélites, un groupe de peintres rebelles en rupture avec l'académisme, qui a révolutionné et influencé l'art anglais du XIXe siècle, jusqu'à l'éclosion de l'Art nouveau. Un hymne à la beauté, à la nature et à la sensualité.
En 1848, trois étudiants de la Royal Academy, à Londres, créent la confrérie préraphaélite et imposent un nouveau style basé sur l'observation directe de la nature. Leur mot d'ordre ? Retrouver une simplicité et une vérité qu'ils estiment perdues depuis Raphaël, à travers un art de lumière et de couleurs vives, de poésie et de séduction.
En six chapitres thématiques, l'art religieux, la littérature et la mythologie, le paysage, la vie quotidienne, le portrait, les arts décoratifs, ce livre dévoile les incontournables et les oeuvres plus secrètes d'artistes comme John William Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, William Morris ou Lawrence Alma-Tadema.


Iconographie abondante et spectaculaire, comprenant des oeuvres très connues mais aussi des tableaux plus souvent confidentiels (tableaux, dessins, papiers peints, tapisserie, vitraux, céramique). Lire la suite Fermer

Tome 1.
A partir des années 1890 et pendant la première moitié du XXème siècle, l'orientalisme disparait peu à peu pour laisser la place à l'art colonial. Cette évolution est le reflet d'une métamorphose conceptuelle, mais aussi politique, de l'Orient : d'espace à la localisation imprécise que les artistes peuvent peupler à loisir de fantasmes, il se transforme en colonies, territoires dominés par la France qui va s'employer à les « pacifier », explorer, inventorier. De quelles manières la colonisation affecte-t-elle la pratique picturale des artistes ? C'est à travers l'exemple des peintres voyageant dans le Protectorat marocain que cet ouvrage étudie les différences et similitudes entre l'orientalisme et l'art colonial.
412 pages.

Tome 2.
Ce dictionnaire présente les notices biographiques des peintres français partis au Maroc entre 1912 et 1956 en mettant l'accent sur leur séjour marocain.
356 pages. Lire la suite Fermer

A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.
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Alors que la question de l'espace dans la peinture a suscité bon nombre d'études, celle du temps n'a été que rarement abordée. Mal connue, la production des artistes lombards de la Renaissance offre sur le sujet un champ d'observation et de réflexion particulièrement fructueux. Depuis le séjour de Léonard de Vinci à Milan jusqu'à la première production de Caravage, en passant par les oeuvres d'Arcimboldo ou d'autres peintres avant-gardistes comme Savoldo, le naturalisme lombard du Cinquecento fait l'objet d'une approche renouvelée. Partant des temporalités matérielles auxquelles était soumise la pratique picturale, cet ouvrage se propose d'étudier la conception même du temps en peinture, les formes de sa représentation et ses valeurs esthétiques dans l'aire culturelle spécifique du duché de Milan et de la partie occidentale de la République de Venise, et en particulier dans les centres de création artistique que furent au XVIe siècle les villes de Milan, Brescia et Crémone. Lire la suite Fermer

À l'occasion de la grande rétrospective consacrée à Bernard Buffet au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris à partir d'octobre 2016, ce livre revient, non sans prendre en compte les années 1946-1949 qui ont vu s'affirmer un artiste majeur, sur la période 1950-1958 que le peintre a partagée avec Pierre Bergé.
Sa connaissance de l'histoire de l'art et des grands maîtres l'a incité à réinventer la peinture en accordant une importance particulière au dessin. Une palette réduite, l'austérité des sujets traités, un certain "misérabilisme" de ses figures ont pu faire rapprocher son oeuvre du réalisme poétique du cinéma français des années 1930-1940 -une oeuvre que cet ouvrage invite à découvrir et à s'approprier à travers 100 reproductions et un entretien exclusif avec Pierre Bergé.
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À partir d'une centaine d'oeuvres (peintures et dessins), l'exposition présentée au musée de l'abbaye (Saint-Claude), puis au MARQ (Clermont-Ferrand), constitue la première étude sur le thème du paysage chez Édouard Vuillard et Ker-Xavier Roussel. Amis depuis l'adolescence, puis liés par le mariage de Roussel avec la soeur de Vuillard, travaillant souvent ensemble, ils eurent également en commun l'emploi fréquent du pastel et de la peinture à la colle.

Le catalogue comprend trois essais éclairant le contexte artistique des années 1890-1900, la relation entre les deux hommes, ainsi que les spécificités de leur usage du pastel. Enfin, une partie « catalogue » réunira l'ensemble des oeuvres en suivant le parcours de l'exposition. Si Vuillard et Roussel cherchent d'abord à renouveler la peinture de paysage en lui appliquant l'esthétique nabie, ils se confrontent très rapidement à l'héritage post-impressionniste et de là, oscilleront jusque dans les années 1930, entre impressionnisme et symbolisme.
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Dans cet ouvrage, il est question d'anges, de diables et de démons, de l'Antiquité jusqu'à nos jours. Ces êtres sont aujourd'hui largement considérés comme les produits de fantasmes, l'expression d'espoirs, d'angoisses et de représentations métaphysiques dépassées. S'ils occupaient une place de choix dans la culture du Moyen Âge, ils ne correspondent plus à la constitution spirituelle de notre époque. Anges, diables et démons se trouvent au premier plan des oeuvres d'art présentées dans cet ouvrage. Les scènes et les personnages ont été inspirés à leurs créateurs par les grandes religions et leurs livres saints. Le livre se concentre ici sur le christianisme, qui a marqué durablement les formes de pensée et de vie de la culture occidentale. Aucun autre personnage de la religion chrétienne n'a autant polarisé le besoin de protection et les angoisses de l'être humain que l'ange et le Diable. La peur de la punition éternelle dans l'au-delà ou l'espoir en l'assistance et la rédemption sont fortement ancrés dans l'inconscient collectif.

Les artistes ont longtemps eu pour tâche de leur attribuer une apparence. Celle-ci a d'abord été en relation étroite avec les prescriptions théologiques et les points de vue idéologiques, mais plus les idées théologico-philosophiques sur le monde des anges et du Diable se sont développées, plus les représentations artistiques se sont multipliées et complexifiées. Cette évolution atteignit un premier apogée au Moyen Âge. Les hiérarchies célestes des anges, avec leur souverain divin, étaient alors considérées comme miroir de l'ordre terrestre avec ses différents strates, ses rois et ses empereurs. Enfin, avec Dante et sa Divine Comédie, l'ordre se rétablit aussi dans l'enfer : les différents cercles y sont rangés en fonction de la gravité des fautes des humains. Ainsi, l'enfer s'est également vu attribuer valeurs et justice.


Si les anges et les diables restent associés à Dieu et aux sphères du ciel et de l'enfer, de nombreux démons mènent une vie propre et peuplent le monde imaginaire de la piété populaire, les cauchemars individuels de ceux qui rêvent ou l'imagination des artistes. Cet ouvrage, qui laisse une large place aux images, s'intéresse à tous ces êtres d'origines différentes. Il tente de dépister leurs "similitudes familiales", de percer à jour leurs intentions, de les localiser dans le vaste champ qui s'étend entre le Bien et le Mal, l'émerveillement et l'horreur, le plaisir et le désespoir.
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Dans cet ouvrage, trois grandes spécialistes de l'art moderne et de Marc Chagall se penchent sur le travail d'illustration de la Bible réalisé par l'artiste en 1930 et 1931, à la demande de l'éditeur Ambroise Vollard.

La critique connaissait déjà les quarante gouaches préparatoires aux gravures de la Bible. Mais la découverte récente des vingt-deux études inédites rassemblées dans ce livre bouleverse la compréhension de cette oeuvre.

Par un jeu subtil de couleurs et de formes, Chagall ne se limite pas à illustrer la narration biblique : il construit sa propre interprétation du texte, révélant sa vocation prophétique.

Les vingt-deux études inédites forment un ensemble où se mêlent l'aquarelle, la gouache, le pastel, l'encre et le crayon. Plus spontanées encore que les gouaches, elles semblent refl éter l'inquiétude et les menaces sourdes d'un temps tragique.
Les auteurs nous racontent l'oeuvre de Chagall, son imprégnation de la philosophie russe du XXe siècle, ses références à l'art grec, aux icônes russes et à la peinture occidentale.

L'exposition Chagall s'ouvrira en janvier 2015, au musée de Nice.
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Une monographie unique d'un des plus grands peintres flamands du 16e siècle.
Bernard van Orley a occupé une place fondamentale dans la vie artistique de Bruxelles et des Pays-Bas méridionaux durant la première moitié du seizième siècle. Peintre de sujets religieux et de portraits, peintre de la cour de Marguerite d'Autriche d'abord et Marie de Hongrie ensuite, auteur de nombreux projets pour des tapisseries et des vitraux, comblé de commandes, l'artiste fut très jeune à la tête d'un des plus grands ateliers de l'époque. Profondément imprégné par la tradition bruxelloise et le style "narratif" qui la caractérise, Van Orley montrera une extraordinaire capacité à intégrer de manière personnelle et inventive les influences les plus modernes de son époque - Raphaël et Dürer entre autres.

Un catalogue de référence richement illustré rassemblant plus de 230 oeuvres.
Il abordera les différents domaines de création de Van Orley (peinture, tapisserie, vitrail) mais également le milieu dans lequel il évolué, en insistant sur son activité comme peintre de la cour.
Présentant l'ensemble de son oeuvre connu, incluant tant le corpus présent à l'exposition que les oeuvres qui n'auront pu voyager pour l'occasion, il fera également office de monographie de référence consacrée à l'artiste, venant ainsi combler une lacune dans le monde de l'édition.
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Fruit d'une collaboration entre la Société des Arts, le Musée d'art et d'histoire et l'Université de Genève, l'ouvrage procède d'un processus de valorisation patrimoniale qui, amorcé en 2020, implique d'une part une étude systématique de la collection, d'autre part une campagne de conservation-restauration. La première partie retrace l'histoire de la Société des Arts qui, fondée en 1776 et responsable des Écoles de dessins du Calabri dès 1786 (puis du Musée Rath dès 1826), est à l'origine de plusieurs institutions genevoises (le premier Salon d'art en 1789, le premier musée des Beaux-Arts en 1796-1797) et, après avoir été contestée par l'Etat en 1851 (car liée à l'Ancien Régime), retrouvera son éclat dès 1863 dans le Palais de l'Athénée, en visant toujours à se rendre utile et complémentaire aux institutions locales à travers ses concours, expositions et conférences. La seconde partie constitue le catalogue raisonné des 143 peintures (y compris pastels et miniatures) et sculptures produites avant 1918 et conservées au Palais de l'Athénée, un ensemble regroupé autour d'une série de portraits et qui reflète une histoire de l'art et du goût à Genève du XVIIIe au début du XXe siècle.

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Raguenet, Pissarro, Van Gogh, Canella, Dagnan, Limbourg, Renoir, Caillebotte, Monet, Ziem, Cortès, Sisley, Grandjean, Utrillo... Partez à la découverte de Paris grâce aux peintres qui ont contribué à sa légende !

Dans chaque arrondissement, découvrez des lieux et des peintres qui ont marqué l'histoire de Paris, à travers des tableaux emblématiques ou, au contraire, moins connus. Revisitez le Carreau des Halles avec Victor Gilbert (1880), baladez-vous sur le Boulevard Poissonnière grâce à Isidore Dagnan (1834) ou sur le Boulevard de la Madeleine en hiver"avec Édouard Cortès (1910), admirez la Place de Clichy d'Edmond Grandjean (1896) ou encore le Marché aux fleurs"de Luigi Loir (1900).

Chaque chapitre du livre correspond à un arrondissement. Le lecteur découvrira pour chaque arrondissement un ou plusieurs tableaux représentants des lieux emblématiques (la gare de l'Est, le pont d'Iéna, le Sacré-Coeur, la fontaine de la place du Châtelet, les Tuileries...).
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Entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle, le voyage dans le Midi s'est imposé comme un rituel fondateur, une étape essentielle dans le parcours des peintres. Grâce à une pratique sur le motif qui libère la touche et la couleur, les peintres modernes réinventent le paysage et expriment une singulière présence sensuelle au monde. Entre sensation du réel et vision idéale de la peinture, cette liberté de peindre hors des sentiers battus de l'académisme résonne avec une liberté du corps, en plénitude et en harmonie avec la nature. Ainsi, pour ces artistes, le voyage dans le Midi répond à une impulsion créatrice, mais aussi à une quête hédoniste : la recherche d'un ailleurs, celui de l'Âge d'or, grand thème mythique classique qu'ils réinventent à l'aune du présent et d'une nouvelle énergie picturale.

Qu'en est-il aujourd'hui ? À l'heure du consumérisme et du capitalisme effrénés, de la pollution, de l'Anthropocène, des innombrables conflits ? À l'heure du virtuel, des flux illimités ? Que reste-t-il de ce goût sensuel du réel, de cet érotisme de la peinture ? De la lumière, de la couleur, de la beauté ? Que reste-t-il du temps suspendu de l'oisiveté et de la contemplation ? Qu'en est-il de ces enjeux posés par la modernité dans la peinture actuelle ? De nombreux peintres contemporains ont répondu à l'appel du Sud ou se sont inscrits dans une filiation avec ces figures historiques. Réunies sur les cimaises, les oeuvres d'hier et d'aujourd'hui dialoguent dans une dimension intemporelle. Des thèmes reviennent. L'Âge d'or, le paysage, l'intérieur. Elles nous offrent de singulières visions de la beauté méditerranéenne, de ses mythes, de sa nature et de ses villas ouvertes sur la mer ou tournées vers les terres. Entre réel et fantasme, entre jouissance et inquiétude, les oeuvres se répondent, par échos, par affinités plastiques, mais aussi par contrepoint, revers et décalage, entre permanence et érosion.

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Diane de Poitiers (1500-1566), veuve de Louis de Brézé et favorite du roi Henri II, fait bâtir avec l'appui d'un amant de vingt ans son cadet et le concours des artistes de Fontainebleau le château d'Anet, chef d'oeuvre de l'architecture de la Renaissance française.
Mais c'est cette autre Diane, la chasseresse des Anciens, vive et farouche, dont la superbe figure coïncide si bien avec celle de la maîtresse des lieux, qui apparaît dans les deux principaux cycles narratifs du château : celui d'une célèbre tenture de tapisseries en onze pièces, et celui des vitraux en émail blanc qui occupaient les fenêtres du premier étage, notamment celles de l'appartement du roi.
Ce livre, qui conjugue et accorde les recherches de cinq historiens (de la littérature, du dessin, de la peinture et du vitrail), s'attache à ces deux ensembles, les reconstitue, en examine les sources et en évalue la portée. Il révèle le programme des tapisseries, sonde sa maîtrise des humanités, prend en compte sa date plus précoce qu'on ne le pensait - 1547 - et donne le nom de son auteur, le poète Jacques de Vintimille, habile précurseur de la Pléiade. L'ouvrage montre aussi qu'un peintre de l'école de Fontainebleau, Charles Carmoy, collaborateur de Primatice que Rabelais avait pris soin de mentionner dans son Pantagruel, dut en donner les dessins et les cartons.
L'examen de toutes ces oeuvres signale que, dans les vitraux comme dans les tapisseries, l'histoire et le mythe prenaient place au coeur d'un dispositif chiffré, héraldique, emblématique et poétique qui permettait à Diane de Poitiers de revêtir, au bénéfice de son roi, la panoplie esthétique et symbolique de la déesse.
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Le musée des Beaux-Arts de Rennes possède une remarquable collection de peinture française sans cesse enrichie par des achats, donc et dépôts depuis les années 1950 autour d'un noyau de chefs-d'oeuvre tels que Le Nouveau-né de Georges de La Tour, Les Noces de Cana de Quentin Varin, La Flagellation de Jacques Blanchard ou les deux natures mortes de Chardin.
Remarquable aussi bien par la qualité et la quantité de pièces, cet ensemble n'a jamais fait l'objet d'une publication complète. L'ouvrage présenté ici permet à la fois de mesurer l'ampleur de cette collection mais aussi son accroissement exceptionnelle durant ces trente dernières années. Aux côtés de quelques oeuvres remarquables du XVIe siècle (La Femme entre les deux âges et le Bal à la cour des Valois) et du XVIIIe siècle (Boucher, Chardin, Vincent, Lagrenée, Amand, Doyen, Suvée...) la collection française du XVIIe siècle est désormais l'une des plus complètes des musées français (Varin, Lallemant, Tassel, La Hyre, Le Nain, La Tour, Vouet, Senelle, Blanchard, Baugin, Vignon, Stella, Corneille, Loir, Le Brun, Verdier, Coypel, La Fosse, Jouvenet, Boullogne...).
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Après un historique de la peinture dans le royaume chérifien depuis la fin du XVIIIe siècle jusqu'à l'indépendance du pays, s'étant attaché à ses relations avec les grands courants de l'art occidental, Maurice Arama propose le dictionnaire de tous les peintres qui ont séjourné et qui ont peint au Maroc, Pendant près de deux siècles, une prodigieuse cohorte de peintre a traqué la pluralité des facettes marocaines : Delacroix, Dehodencq, Matisse, Marquet, Camoin, Clairin, Van Dongen, Marcelle Ackein, Francis Bacon, Balthus, Nicolas de Staël, Limouse, Edy Legrand, Marcel Vicaire, Raoul Dufy... Aux côtés de ces grands noms de la peinture européenne, figurent une multitude d'autres peintres talentueux dont les oeuvres font le bonheur des amateurs et des collectionneurs. Plus de 450 peintres donnent lieu à une notice, presque toujours illustrée.
Maroc. Le Royaume des peintres est à la fois un ouvrage de référence, le plus complet à ce jour, recensant les artistes qui ont donné à voir le Maroc, et un livre d'art, somptueusement illustré, avec une multitude de documents inédits.
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Présentation de l'activité de portraitiste du peintre vénitien de la fin de la Renaissance, qui eut pour modèles des princes, des papes, des empereurs, des hommes de lettres célèbres, etc. Ses portraits témoignent de son évolution stylistique au cours de sa longue carrière, de son ascension sociale et de sa renommée européenne.

Catalogue officiel de l'exposition "Frida Kahlo et Diego Rivera, L'art en fusion" au musée de l'Orangerie du 9 octobre au 13 janvier 2014. Si Frida Kahlo (1907-1954) est aujourd'hui l'une des artistes les plus connues et les plus populaires de l'art mexicain du XXe siècle, c'est bien sûr grâce à sa personnalité et à l'originalité d'une oeuvre qui échappe à toute tentative de classification. L'oeuvre est ici avant tout l'expression du récit d'une vie. Vie tragique et tumultueuse, échappant à son tour à toute convention, connue dans le moindre détail et récemment portée à l'écran, faisant d'elle une véritable icône. La seule évocation de son nom soulève enthousiasme et admiration, pourtant son oeuvre est peu montrée. Sa production artistique, quelque 200 oeuvres, n'a fait l'objet que de quelques rares expositions en Europe. Exposée pour la première fois en France, dans l'un de ses musées les plus prestigieux, la sélection proposée par le musée Olmedo, d'environ 38 oeuvres, inclut des oeuvres qui ont contribué à la renommée internationale de l'artiste, comme les autoportraits, parmi lesquels le très célèbre Autoportrait à la colonne brisée. La vie et l'oeuvre de Frida Kahlo sont indissociables de celles de son compagnon Diego Rivera (1886-1957). Ils sont entrés ensemble dans la légende et figurent tous deux au panthéon des artistes mexicains du XXe siècle. Célèbre pour ses grandes peintures murales, les peintures de chevalet, dessins, lithographies, qui constituent une part importante de sa production, sont moins connues du grand public en Europe. Le propos de l'exposition est de retracer son cheminement artistique, depuis les premières oeuvres cubistes, témoignages de ses liens avec le milieu artistique parisien, jusqu'à celles qui firent de lui le fondateur de l'école mexicaine du XXe siècle. L'exposition est une invitation à découvrir les multiples facettes de l'art de Rivera dont les voyages à travers l'Europe, ont nourri sa vision et son répertoire sans l'éloigner de ses racines. Il s'inscrira ainsi dans l'histoire comme le fondateur de l'école nationaliste. L'originalité de l'exposition consacrée au couple mythique incarné par Diego Rivera et Frida Kahlo consiste à présenter leurs oeuvres ensemble, comme pour confirmer leur divorce impossible, effectif dans les faits mais aussitôt remis en question après une seule année de séparation. Elle permettra aussi de mieux entrevoir leurs univers artistiques, si différents, mais également si complémentaires, par cet attachement commun et viscéral à leur terre mexicaine : cycle de la vie et de la mort, révolution et religion, réalisme et mysticisme, ouvriers et paysans. Version bilingue français/anglais.
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Amorcé à l'Université de Genève dès 2010, le programme Peindre en France à la Renaissance cherche à reconstruire la dynamique de la peinture produite dans le royaume de France aux XVe et XVIe siècles, en tenant compte de toutes les techniques impliquées par le métier du peintre. Il a déjà généré quatre volumes publiés aux éditions Silvana. Les deux premiers (2011-2012) ont fixé le cadre méthodologique.
Les deux suivants se sont focalisés sur d'importants foyers artistiques : Lyon (2014) et Troyes (2015).
Le présent ouvrage, cinquième de la série, vise à reconstituer la peinture produite dans une ville située à mi-chemin des deux précédentes et qui fonctionne comme un relais entre l'axe de la Seine et celui de la Saône : Dijon. Introduit par une réflexion sur l'historiographie et sur le métier du peintre, il s'organise selon une séquence chronologique, en mettant en lumière de nouvelles oeuvres, en ressuscitant l'activité d'importants peintres et ateliers (Thiebaut Laleurre, les Changenet, les Dorrain) et en précisant les contours de personnalités restées anonymes (le Maître des prélats bourguignons, le Maître d'Antoine de Roche) ou identifiées depuis longtemps (Hugues Sambin, Nicolas de Hoey, Florent Despesches).
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La Révolte du Caire d'Anne-Louis Girodet (1810), distinguée par Stendhal pour être belle dans le détail et désastreuse dans son effet d'ensemble offre des fragments de bataille, des récits isolés dans la suite d'une grande épopée, quelques lignes dans une page d'histoire qui furent l'objet de copies et attirèrent l'attention de la jeune génération romantique. La représentation d'une anecdote au sein de la grande Histoire, d'individus au sein d'une mêlée, un focus sur des détails font glisser la représentation de la violence guerrière généralisée d'une nation vers un duel intime et personnel. À ce titre, l'inspiration que tire Eugène Delacroix de la poésie de Lord Byron est exemplaire, sinon essentielle. Ses illustrations du Giaour sont emblématiques du duel décliné dans toute ces formes qui devient métaphore de l'opposition entre le familier et l'inconnu et souligne l'affrontement entre des convictions, la raison et la passion, l'attrait et la répulsion, jusqu'à glisser à l'image de la lutte intérieure.
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« La Merveilleuse encyclopédie brute de François Jauvion » Michel Thévoz Le second volume du panthéon de l'art brut, singulier et inclassable de François Jauvion : 97 planches minutieusement dessinées au crayon feutre noir et colorées à l'aquarelle, faisant chacune le portrait de l'un de ces maîtres, ou de ses congénères actuels.
De Sanfourche à Séraphine de Senlis, Bill Traylor, Paul Duhem ou encore Marcel Storr, l'artiste a réuni ici ses héros, issus indifféremment de l'art brut, de l'art singulier, de la bande dessinée ou de l'art contemporain.
Tel un enlumineur médiéval propulsé au 21e siècle, François Jauvion, artiste plasticien polymorphe, imagine les portraits de ces artistes. Épinglés ainsi, tels des papillons, chacun se donne à voir d'une manière inédite, spectaculaire, intime.

L'étude de la peinture en France au temps de Louis XII et de François Ier a longtemps été conditionnée par des préjugés hérités de la tradition historiographique.
Cet ouvrage se propose de reconsidérer toute la géographie de la peinture produite en France durant la première moitié du XVIe siècle, en réunissant des articles de différents spécialistes, inscrits dans une vision d'ensemble.
Il s'organise ainsi en trois chapitres correspondant à des axes géographiques. Le premier se focalisera sur l'axe reliant des foyers tels que Tournai ou Amiens à la plaquetournante parisienne. Le deuxième s'intéressera à l'axe que dessinent la Seine, la Saône et le Rhône et qu'empruntent nombre d'artistes attirés par le Midi.
Le troisième enfin abordera le Bourbonnais et l'axe de la Loire, où se trouvent les différentes résidences royales et qui véhicule des modèles italiens, périodiquement mis à jour. Un épilogue apportera un éclairage plus spécifique aux rapports entre la cour de France et l'Italie. Il servira de transition à un second volume (en préparation), qui analysera le rayonnement de la cour durant la seconde moitié du XVIe siècle.
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