« Les mots sont des béquilles qui permettent de faire un petit bout de chemin en direction de l'oeuvre. Dans un premier temps, ils peuvent servir à ouvrir les yeux enlisés dans des habitudes, montrer que l'on voit davantage avec ce que l'on a dans la tête que devant les yeux. Mais la plus grande partie du chemin reste hors de leur portée, puisque l'art, justement, est au-delà. » Outrenoir, entretiens avec Françoise Jaunin, 2012 Pierre Soulages est né le 24 décembre 1919 à Rodez.
Très jeune il est attiré par l'art roman et la préhistoire.
Ce n'est qu'en 1946 qu'il peut consacrer tout son temps à la peinture. Ses toiles où le noir domine sont abstraites et sombres. Elles sont aussitôt remarquées tant elles diffèrent de la peinture demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. D'autres oeuvres sont apparues où rythme, espace et lumière naissent des contacts violents du noir et du blanc sur l'entière surface de la toile, une autre lumière picturale.
En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville.
Attaché à sa terre natale, Soulages consent, en 2005, avec son épouse Colette, à une donation exceptionnelle à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez. Le musée Soulages à Rodez est inauguré en mai 2014.
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Une histoire globale des avant-gardes picturales se doit d'expliquer pourquoi celles-ci apparurent en certains endroits et pas en d'autres, comment elles circulaient entre les pays et les capitales, ce qui les portait et si elles rompaient réellement avec leur temps, sachant que la plupart finirent par connaître une véritable canonisation.
Les avant-gardes lièrent leur sort au développement des journaux et des revues, c'est-à-dire à celui des techniques d'impression et de reproduction en série. Elles profitèrent également d'un vaste mouvement de circulation des idées, des hommes et des objets avec le développement des réseaux ferrés et des transports maritimes.
Dans le même temps se forgeaient les identités nationales, férues de tradition et de préservation des cultures. L'approche géopolitique met au jour ce processus par lequel les plasticiens novateurs recoururent à la référence étrangère pour s'opposer aux institutions nationales, travaillèrent à internationaliser leurs réputations pour mieux s'imposer contre le refus de l'innovation porté par le nationalisme, ou, au contraire, se laisser récupérer par des partis nationalistes et révolutionnaires.
Mais à côté des stratégies, réseaux et marchés, place est faite à l'analyse du contexte culturel et moral, économique et politique, matériel et social, affectif et spirituel des artistes des avant-gardes à partir de 1848. Jusqu'à la rupture de 1920, quand ces avant-gardes deviennent politiques, plaçant l'avenir de l'art dans celui de la Révolution.
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Tout commence à Paris, le 1?? juillet 1867, dans les fastes de l'Exposition Universelle : après la guerre de Sécession, les paysagistes d'outre-Atlantique, qui forment la première véritable école de leur pays, retrouvent, optimistes, le chemin de l'Europe. Mais les critiques français leur réservent ricanements et sarcasmes : «Cette exposition est indigne des fils de Washington. Au milieu de nos vieilles civilisations, les Américains font l'effet d'un géant fourvoyé dans une salle de bal.»Les peintres souhaitaient être reconnus dans le saint des saints de l'art contemporain. Ils comprirent immédiatement qu'ils n'avaient pas le choix : il fallait céder au goût français, puisque le goût français régnait sur le monde. Du géant, ils avaient les matières premières : l'espace géographique, les moyens économiques, le dynamisme. Pour le reste, les arts plastiques notamment, ils se rendaient bien compte qu'ils accusaient, face aux Européens, un énorme décalage. Leur humiliation à l'Exposition Universelle aiguillonna leur combativité. Et si les fils de Washington relevaient le défi ?L'épopée des peintres américains racontée par Annie Cohen-Solal nous transporte de Paris à New York, de Giverny à Chicago, de Pont-Aven à Taos, au Nouveau-Mexique, et s'achève à la Biennale de Venise, en 1948, lorsque sont présentées, pour la première fois en Europe, huit toiles de Jackson Pollock, un artiste inconnu des Européens de l'époque, mais bientôt célébré dans le monde entier comme le premier véritable maître américain. Lire la suite Fermer

« Mon opinion sur l'homosexualité et les homosexuels est exactement la même que mon opinion sur l'hétéro- sexualité et les hétérosexuels : tout dépend des individus et des circonstances. Je réclame la liberté générale des moeurs, de tout ce qui ne nuit pas à la tranquillité, à la liberté, au bonheur du prochain. J'avais cru comprendre que c'était aussi - admirable en France - l'opinion de la loi ? Aurait-elle changé ? » « L'Amitié », 1918-1921, Inversions, n° 1, avril 1925 Claude Cahun (pseudonyme de Lucy Schwob) est née le 25 octobre 1894 à Nantes et décédée le 8 décembre 1954 à Saint-Hélier (Jersey).
Photographe et écrivaine française dont la vie est étroitement liée à celle d'une autre artiste d'origine nantaise, Suzanne Malherbe (Marcel Moore), liée au mouvement surréaliste, Claude Cahun s'est aussi engagée dans la vie politique de l'entre-deux-guerres et dans la Résistance pendant l'occupation allemande de Jersey.
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Georges Braque est né à Argenteuil le 13 mai 1882 et décédé à Paris le 31 août 1963.

« Quand je commence, il me semble que mon tableau est de l'autre côté, seulement couvert de cette poussière, la toile. Il me suffit d'épousseter. J'ai une petite brosse à dégager le bleu, une autre le vert ou le jaune : mes pin- ceaux. Lorsque tout est nettoyé, le tableau est fini. »

Vers 1530, Le Corrège peint une série de quatre tableaux dédiés aux amours de Jupiter. Sur l'un d'entre eux, Io semble surprise par le dieu ayant pris l'apparence de nuées. Le peintre s'éloigne du mythe raconté par Ovide pour insister sur la tension paradoxale entre la réalité charnelle de la nymphe et la nature vaporeuse du dieu. Cette rencontre devient une projection imaginaire, une phantasia érotique susceptible d'abuser les sens. À travers l'exploitation de sources littéraires et philosophiques, et la reprise de motifs antiques bien connus à la Renaissance, c'est une mise en scène onirique qui s'offre au spectateur, où l'expérience fantasmatique sert de point de départ à la présentation autonome d'une rêverie féminine voluptueuse.

Prince des Ténèbres, Porteur de Lumière ou Roi des Enfer, le Diable a autant de noms que de visages. Mais où est passé le monstre aux yeux exorbités, aux cornes d'ébène et à la gueule pestilentielle, la Bête vers qui convergent toutes les déchéances et les déviances du genre humain ?
Grâce à une lecture brillante des textes et des images de la Renaissance et du Moyen Âge, Daniel Arasse décrit l'irrésistible essor du Diable et révèle comment la culture humaniste a combattu cette ténébreuse créature médiévale pour la reléguer au rang de superstition.
Pourtant, aujourd'hui, comme hier, Satan continue de hanter l'esprit des hommes. Mais depuis, nous lui avons prêté notre visage, nos habitudes, il est devenu une métaphore du « mal » qui ronge le coeur de l'humanité.
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Comment regarder l'oeuvre de Frédéric Bazille, mort au combat en 1870 lors de la guerre franco-prussienne alors qu'il n'était âgé que de 28 ans?
Une soixantaine de tableaux est parvenue jusqu'à nous, chacun constituant un défi, un jalon, pour le jeune artiste nous permettant d'être attentifs à sa progression vers l'expression toujours plus personnelle de son « tempérament », selon les mots de l'époque.
« Maman me laisse voir dans sa lettre que vous avez toujours de l'inquiérude à mon sujet. Vous craignez que je ne travaille pas, que je vous oublie, rassure-toi mon cher père, je travaille en ce moment avec beaucoup d'assiduité, Monet prend la peine de venir me réveiller tous les matins et je passe toutes mes journées dans son atelier à peindre d'après le modèle vivant. Il faut que je fasse beaucoup de figures cet hiver, je compte même ne faire que cela, pour pouvoir bien profiter du printemps et de l'été à la campagne. » Lettre à son père, vendredi 6 janvier 1865 Événement : Le musée Fabre de Montpellier présente l'exposition Frédéric Bazille, la jeunesse de l'impressionnisme du 25 juin 2016 au 16 octobre 2016, Cette exposition sera ensuite présentée au musée d'Orsay du 15 novembre 2016 au 5 mars 2017, puis à Washington D.C., National Gallery of Art, du 9 avril au 9 juillet 2017.
L'oeuvre de Frédéric Bazille est présente dans plusieurs musées français et particulièrement :
- Montpellier, musée Fabr
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Robert Delaunay est un peintre français né le 12 avril 1885 à Paris et mort le 25 octobre 1941 à Montpellier.
Il est le fondateur et le principal artisan du mouvement orphiste, branche du cubisme et important mouvement d'avant-garde du début du XX e siècle.

« Les objets ont leur vie définie par la couleur qui leur donne leur poids, leur structure véritable. Ce n'est plus des formes de dictionnaires, catalogues de maison de commerce. Les objets ont la mobilité de la vie, leur place, leurs rapports, qui ne sont pas gradués selon un ordre connu et défini, mais relatif dans leur expression la plus propre, la plus sensuelle et humaine ; les objets étant rendus dans leurs rapports de sensibilité, comme humanisés. Ils regardent le spectateur ; ce sont les yeux du spectateur qui vivent en eux. » Natures mortes, 1916
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Alfred Manessier est né le 5 décembre 1911 à Saint- Ouen dans la Somme et mort le 1 er août 1993 à Orléans.

« Je pense que nous sommes les primitifs d'un langage nouveau, qui est un langage aussi souple que celui que les musiciens ont depuis longtemps à leur service. »

Paru pour la première en 1913, ce texte de critique d'art d'Apollinaire a connu plusieurs éditions. L'ouvrage se compose de deux parties : la première, « Méditations esthétiques », constitue une sorte d'introduction d'ordre général à la seconde, « Peintres nouveaux » dans laquelle l'auteur analyse l'oeuvre de neuf peintres représentatifs de la nouvelle tendance : Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Marie Laurencin, Juan Gris, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp et un sculpteur auquel est consacré un appendice : Duchamp-Villon. Ce texte est fondamental dans l'histoire de l'art. Il faut le replacer dans son contexte. Il s'agit de la première tentative de définition de ce nouveau courant pictural en plein essor dans les années qui précèdent le conflit de 1914-1918. Apollinaire s'y fait un extraordinaire critique d'art que le talent du poète ne doit pas éclipser. Le premier il a su rendre justice à nombre d'artistes, notamment Braque qui sera à l'honneur à l'occasion de cette grande exposition qui se tiendra à l'automne au Grand Palais.
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« Mes recherches tendent à vivre l'inconditionné ;
J'ai voulu dissoudre la forme, et pas seulement la géométrie. Je ne pouvais attaquer la forme qu'en faisant des non-formes. Je me suis aperçu alors que la forme réapparaissait... J'obtenais ce que j'ai appelé des non- non-formes. » Entretien avec Jean Grenier, 1961 Camille Bryen est le nom d'artiste de Camille Briand, né le 17 septembre 1907 à Nantes et décédé à Paris le 8 mai 1977.
Camille Bryen est un poète, peintre et graveur français de la nouvelle École de Paris, appartenant aux courants de l'abstraction lyrique et du tachisme.
Chez lui, l'interférence entre littérature, dessin, gravure et peinture lui permet de mieux approfondir sa quête onirique et de saisir « le jaillissement rayonnant du réel imprévisible et toujours vivant ». Héritier de Dada et éternel découvreur.
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Gustave Singier est né le 11 février 1909 à Warneton (Belgique), et mort le 5 mai 1984 à Paris.

« Il n'y a plus, uniquement, le paysage qu'on voit en face.
L'objectif se retourne, il est derrière, sur les côtés, en haut, partout. On est entouré du paysage. On est dans le paysage. »

Cette biographie de l'oeuvre de Picasso est un classique. Elle reparaît aujourd'hui en une édition nouvelle, refondue, complétée et mise à jour.Alors que se multiplient les expositions consacrées à Pablo Picasso, occasions et prétextes à des monographies ou à des études spécialisées, il a semblé utile de recenser tout ce que l'on peut connaître du Maître. Cette vaste étude vise d'abord à la compréhension de la nature protéiforme d'une oeuvre qui a épousé, quand elle ne les a pas impulsés, les courants majeurs du XX? siècle artistique. Pierre Cabanne nous restitue le portrait mental d'un génie.

«Depuis trois siècles qu'elle se ruine, cette ville a gardé sa tradition, elle s'effondrera avant que de se démentir. Au temps du Greco, elle était bien cette même ville que je vois, ce même fleuve qui s'écoule devant mes yeux ; elle demeure toujours la cité bâtie sur un roc de granit, âprement cernée par le ravin profond du Tage. Au milieu d'un pays immobile, elle forme aujourd'hui encore une énorme grappe, une ascension composite d'églises, de couvents, de maisons gothiqes, de couloirs arabes haussés et rétrécis. Et ses pierres continuent de dire les mêmes choses qu'avaient entendues Greco et qu'il fortifie du discours abondant de ses tableaux dans les chappelles délabrées. Les raisons de Tolède ! c'est un superbe dialogue entre la culture chrétienne et l'arabe, qui s'assaillent et puis se confondent.» Maurice Barrès (1862-1923) a anticipé l'avènement du rock'n roll en cassant la mélancolie un peu étale des harmonies romantiques. Sa plume est un augure ; elle annonce Aragon ou Breton autant que Montherlant. Anar baroque converti au patriotisme, Barrès se réclamait de l'égotisme cher à Stendhal et se complaisait aux émotions métisses. À preuve, cet éloge de Tolède, la ville la plus arabe de la chrétienté ibérique, et la plus juive aussi. Lire la suite Fermer

Des grands nus aux célèbres portraits, la vie tourmentée de Modigliani, « l'ange au visage grave ». Une présentation de la vie de l'artiste, avec 50 chefs-d'oeuvre. Une table chronologique, les fiches techniques des oeuvres, une brève anthologie critique et les conseils bibliographiques, en 96 pages en couleurs.

Les chefs-d'oeuvre de l'artiste qui a mis à nu les passions les plus inquiétantes de l'homme contemporain. Une présentation de la vie de l'artiste, avec 50 chefs-d'oeuvre. Une table chronologique, les fiches techniques des oeuvres, une brève anthologie critique et les conseils bibliographiques, en 96 pages en couleurs.

Cette biographie de l'oeuvre de Picasso est un classique. Elle reparaît aujourd'hui en une édition nouvelle, refondue, complétée et mise à jour.Alors que se multiplient les expositions consacrées à Pablo Picasso, occasions et prétextes à des monographies ou à des études spécialisées, il a semblé utile de recenser tout ce que l'on peut connaître du Maître. Cette vaste étude vise d'abord à la compréhension de la nature protéiforme d'une oeuvre qui a épousé, quand elle ne les a pas impulsés, les courants majeurs du XX? siècle artistique. Pierre Cabanne nous restitue le portrait mental d'un génie.