Par la protection de la puissante famille des Médicis, grâce à une multitude d'oeuvres profanes et religieuses et à ses contributions à la célèbre chapelle Sixtine, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) était bien placé pour devenir célèbre. Pourtant, après sa mort, son oeuvre tomba pendant près de 400 ans dans l'oubli. Ce n'est qu'à partir du XIXe siècle que le peintre commença à gagner les faveurs des historiens de l'art. Aujourd'hui, Botticelli est salué comme une figure déterminante des débuts de la Renaissance florentine. Ses oeuvres profanes, La Naissance de Vénus et Primavera, considérée comme une allégorie du printemps, figurent parmi les peintures les plus reconnues au monde, brillant par la finesse de leur détail, leurs lignes gracieuses et leur agencement équilibré. Ses compositions sont aussi fluides qu'ordonnées, ses personnages sont autant sereins que sensuels. En particulier, Vénus est l'icône de la beauté en histoire de l'art avec son teint pâle, sa délicatesse, sa douceur promesse de fécondité. En présentant les oeuvres clé de Botticelli, cette introduction incontournable éclaire la face cachée de cette légende de la Renaissance. À travers les scènes mythologiques et les allégories les plus connues du peintre, sans oublier ses peintures religieuses rayonnantes, on explore sa maîtrise de la figuration, du mouvement et de la ligne, qui n'a cessé d'inspirer les artistes, d'Edgar Degas à Andy Warhol, de René Magritte à Cindy Sherman. Lire la suite Fermer

Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière.

Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais réalisées en gravure. Déployant une palette de tons ambitieuse et variée, il l'a élevée à un rang supérieur en intensité conceptuelle, émotionnelle et spirituelle. Ses deux principales séries de gravures sur bois sur la Passion du Christ, nommées d'après leur taille la Grande Passion et la Petite Passion, sont particulièrement remarquables pour leur traitement vivant et plein d'humanité du récit chrétien. Dans sa gravure sur cuivre Mélancolie I, Dürer a créé une image surprenante du vide émotionnel, souvent citée comme l'une des premières représentations du vague à l'âme et de la dépression.

Éternel curieux, Dürer s'est nourri des idées de grands maîtres et artistes de son époque, en Allemagne mais aussi en Italie, tandis que sa propre influence s'est exercée dans toute l'Europe sur des générations après lui. Dans cette introduction essentielle proposée par TASCHEN, on découvre la pratique complexe de cette figure pionnière, son esprit éclectique et ses principales oeuvres, qu'il a laissées en guise d'héritage éternel. Lire la suite Fermer

Par rapport à ses contemporains du XVIe siècle tardif à Venise, El Greco (1541­-1614) incarne leur exact opposé, un artiste au talent inné, extraordinairement doué, mais fermement décidé à suivre sa propre voie. Tout au long de sa carrière, depuis ses débuts en Crète jusqu'à ses séjours à Venise, à Rome, puis son installation à Tolède, en Espagne, «Le Grec» est demeuré à la marge de ses pairs, synthétisant différentes traditions artistiques de l'Occident pour créer un langage pictural unique.
Le style singulier de El Greco traduit un rejet du naturalisme autant que de la facilité. Des peintures comme Le Christ dépouillé de sa tunique (1577-1579), L'Enterrement du comte d'Orgaz (1586-1588) et L'Ouverture du Cinquième Sceau de l'Apocalypse (1608-1614) révèlent des figures allongées et tourmentées, des couleurs irréelles et un traitement expérimental de l'espace, autant d'éléments s'opposant à une lecture rapide et orientée, mais témoignant d'un art d'une profondeur épique et d'une grande beauté spirituelle.
Souvent considéré d'un oeil critique et suspicieux durant sa vie, El Greco fut redécouvert par un petit nombre d'admirateurs fervents parmi les peintres modernes, comme Pablo Picasso, Roger Fry et le pionnier du collectif «Der Blaue Reiter», Franz Marc. Aujourd'hui, l'artiste appartient au cercle restreint des grands maîtres de la peinture, autant comme figure d'exception de son temps que comme artiste de référence à travers les siècles.
Cette introduction de référence, issue de la Petite Collection 2.0 proposée par TASCHEN, explore les influences et les caractéristiques de la vision singulière et radicale de El Greco, de l'univers symbolique des icônes byzantines et les valeurs humanistes de la Renaissance aux prémices d'une pratique conceptuelle. Lire la suite Fermer

Vers 1530, Le Corrège peint une série de quatre tableaux dédiés aux amours de Jupiter. Sur l'un d'entre eux, Io semble surprise par le dieu ayant pris l'apparence de nuées. Le peintre s'éloigne du mythe raconté par Ovide pour insister sur la tension paradoxale entre la réalité charnelle de la nymphe et la nature vaporeuse du dieu. Cette rencontre devient une projection imaginaire, une phantasia érotique susceptible d'abuser les sens. À travers l'exploitation de sources littéraires et philosophiques, et la reprise de motifs antiques bien connus à la Renaissance, c'est une mise en scène onirique qui s'offre au spectateur, où l'expérience fantasmatique sert de point de départ à la présentation autonome d'une rêverie féminine voluptueuse.

Découvrez à travers cet ouvrage les chefs-d'oeuvre de la Renaissance italienne.
L'Italie, à la Renaissance, n'est pas unifiée. Les princes ou les familles dirigeantes rivalisent de grandeur et de richesse. Toutes les oeuvres et les grands chantiers ne sont érigés que dans un seul but, montrer la grandeur et la magnificience des mécènes. Les artistes toscans tiennent le rôle de modèles, mais dès le XIVe siècle, chaque centre artistique possède sa propre spécificité régionale. La peinture florentine favorise le dessin, la peinture vénitienne la couleur et Rome prend au début du XVIe, une grande importance avec le mécénat pontifical et princier. L'artiste de la Renaissance occupe plusieurs fonctions à la fois: peintre, sculpteur, orfèvre, théoricien, architecte, savant ou encore poète. Ce fût le cas de Léonard de Vinci, Michel-Ange, Verrocchio...

Divisé par thèmes et par lieux, cet ouvrage permet de suivre l'évolution de la sculpture puis de la peinture à Florence et en Toscane, en Italie du Nord, puis en Italie du Centre et du Sud - ce qui correspond aux partitions politiques de cette époque. Lire la suite Fermer

Alors que la question de l'espace dans la peinture a suscité bon nombre d'études, celle du temps n'a été que rarement abordée. Mal connue, la production des artistes lombards de la Renaissance offre sur le sujet un champ d'observation et de réflexion particulièrement fructueux. Depuis le séjour de Léonard de Vinci à Milan jusqu'à la première production de Caravage, en passant par les oeuvres d'Arcimboldo ou d'autres peintres avant-gardistes comme Savoldo, le naturalisme lombard du Cinquecento fait l'objet d'une approche renouvelée. Partant des temporalités matérielles auxquelles était soumise la pratique picturale, cet ouvrage se propose d'étudier la conception même du temps en peinture, les formes de sa représentation et ses valeurs esthétiques dans l'aire culturelle spécifique du duché de Milan et de la partie occidentale de la République de Venise, et en particulier dans les centres de création artistique que furent au XVIe siècle les villes de Milan, Brescia et Crémone. Lire la suite Fermer

Ce livre reproduit comme jamais auparavant, à travers de saisissants détails en double page, les deux douzaines d'½uvres attribuées  à Léonard de Vinci (1452-1519).  Léonard par le détail s'organise selon des chapitres thématiques qui explorent les motifs des sourires, des gestes, des enfants, des animaux et de la nature présents dans les ½uvres du peintre. Stefano Zuffi s'érige en guide à travers cet ouvrage, il explique la signification de chaque détail dans un vocabulaire clair et accessible et offre des aperçus originaux des ½uvres les plus connues telles que Mona Lisa, La Cène et La  Dame à l'hermine.Le "maitre florentin" est considéré comme l'un des plus grands peintres de l'Histoire de l'art de tous les temps. Souvent décrit comme l'archétype de l'homo universalis, il était l'incarnation du polymathe de la Renaissance, ses connaissances s'étendant à des champs aussi divers que l'astronomie, la peinture, la sculpture, les sciences, les mathématiques, l'ingénierie, la cartographie et l'architecture. Le vrai génie de Léonard tient dans la combinaison des sciences et des arts  : sa peinture reposait sur une compréhension profonde des fonctionnements du corps humain et des règles physiques de l'ombre et la lumière.Léonard incarne l'archétype de l'homme universel. Personnalité géniale et polyvalente, il a laissé une trace indélébile dans toutes les disciplines des arts et du savoir qu'il a pratiquées : la peinture et le dessin, l'architecture, les sciences, l'anatomie, les mathématiques, l'ingénierie, l'astronomie. Comme peintre, son génie naît aussi de la connaissance analytique du corps humain, alliée à celle de la nature et des lois physiques de la lumière. 
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Pourquoi cette collection intéresse-t-elle tant de monde ?

Comment est-elle arrivée à Montfaucon-en-Velay ?

Qui est l'artiste ? Est-il célèbre ?

Nous avons écrit sur Abel Grimmer et ses douze tableaux pour répondre à toutes ces questions.

Cet ouvrage propose un voyage dans le temps pour explorer en détail les oeuvres d'Abel Grimmer, mais aussi son époque et sa culture.

Michelangelo Buonarroti fut l'un des plus grands artistes de la Renaissance. Il n'était pas le génie isolé et torturé du mythe artistique, mais un homme qui a entretenu tout au long de sa vie un cercle étroit d'amis et d'associés. Il a développé des relations de travail avec des artistes plus jeunes, maintenant ainsi sa renommée et sa réputation même en vieillissant, confiant le travail physique trop dur pour lui aux autres. Ses derniers dessins offrent un aperçu puissant de sa psychologie, reflétant sa foi catholique, son engagement intellectuel et son élan vital. Édité à partir de l'extraordinaire collection de dessins du British Museum, cet ouvrage explore son oeuvre tardive aux côtés de ses relations personnelles pour considérer la transformation de Michel-Ange en la figure imposante du génie artistique connue aujourd'hui. Lire la suite Fermer

Ce catalogue qui accompagne une exposition à l'Albertina de Vienne retrace l'évolution du dessin figuratif dans le monde occidental, à commencer par Michel-Ange, dont il explore l'énorme influence sur ses contemporains ainsi que sur les générations suivantes. Chaque chapitre met en lumière un aspect important de l'idéal du corps humain de l'artiste et étudie son influence et son adaptation par ses contemporains et les successeurs.

Dans une péninsule bouleversée par les guerres d'Italie, la bataille devient au cours du XVIe siècle un motif croissant de l'iconographie politique alors que l'humanisme, reprenant l'art de la guerre antique, contribue à l'émergence des armées et des États modernes. Les palais de gouvernement, à Rome, Florence ou Venise, comme les résidences de pouvoir d'Italie centrale se couvrent de scènes d'histoire et de cycles peints déclinant les hauts faits passés et présents des propriétaires. Adoptant une approche pluridisciplinaire, cet ouvrage définit des typologies dans ce corpus monumental, qui cristallise enjeux politiques et artistiques, autour d'1/2uvres conçues comme des lieux pour la mémoire.

Au début du siècle, Léonard, Michel-Ange, Raphaël, Titien et leurs émules développent autour de ce sujet un idéal savant de la peinture, faisant de la bataille un sommet de l'art. Puis, les peintres maniéristes dotent ce sujet de nouveaux codes à travers les représentations chevaleresques des ancêtres ou le portrait épique de l'Etat. À la fin du siècle, le développement de la gravure militaire d'actualité tend à modifier le travail des peintres, jusqu'à Vasari et Tintoret, appelés à se faire historiens des guerres du temps présent. Etudiant la genèse, la fonction et la forme de ces décors, ce livre s'appuie sur une histoire sociale et culturelle de la guerre à la Renaissance pour étudier la manière de raconter l'histoire en peinture. Lire la suite Fermer

LE LIVRE La Bible est une inépuisable source d'inspiration pour les artistes de la Renaisssance. Bien avant l'invention de l'imprimerie, les peintres déploient des trésors d'imagination pour mettre en scène ces histoires captivantes, créant ainsi de multiples chefs-d'oeuvre. Héritier d'une double tradition religieuse et païenne, l'homme de la Renaissance a rêvé éperdument du Paradis terrestre. Du XIVe au XVIe siècle, Bruegel, Titien, Bosch ou encore Michel-Ange ont introduit des valeurs considérées jusqu'alors comme suspicieuses, ne craignant pas de décrire avec talent et malice les grands textes fondateurs de la foi. Avec plus de 200 illustrations, cet ouvrage met en lumière un des textes les plus célèbres qui soit. POINTS FORTS - De la Genèse à L'Apocalypse, 140 extraits de la Bible - 120 artistes, dont Jan van Eyck, Dirck Bouts, Giovanni Bellini, ou encore Andrea Mantegna - Une superbe mise en image d'un texte fondateur 
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Une monographie unique d'un des plus grands peintres flamands du 16e siècle.
Bernard van Orley a occupé une place fondamentale dans la vie artistique de Bruxelles et des Pays-Bas méridionaux durant la première moitié du seizième siècle. Peintre de sujets religieux et de portraits, peintre de la cour de Marguerite d'Autriche d'abord et Marie de Hongrie ensuite, auteur de nombreux projets pour des tapisseries et des vitraux, comblé de commandes, l'artiste fut très jeune à la tête d'un des plus grands ateliers de l'époque. Profondément imprégné par la tradition bruxelloise et le style "narratif" qui la caractérise, Van Orley montrera une extraordinaire capacité à intégrer de manière personnelle et inventive les influences les plus modernes de son époque - Raphaël et Dürer entre autres.

Un catalogue de référence richement illustré rassemblant plus de 230 oeuvres.
Il abordera les différents domaines de création de Van Orley (peinture, tapisserie, vitrail) mais également le milieu dans lequel il évolué, en insistant sur son activité comme peintre de la cour.
Présentant l'ensemble de son oeuvre connu, incluant tant le corpus présent à l'exposition que les oeuvres qui n'auront pu voyager pour l'occasion, il fera également office de monographie de référence consacrée à l'artiste, venant ainsi combler une lacune dans le monde de l'édition.
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Peindre à Paris aux XVe-XVIe siècles est le douzième et dernier volume de la série de renommée internationale Peindre en France à la Renaissance. Un projet d'envergure qui propose une remise en question de la vision communément admise de la peinture produite dans le royaume de France, aux XVe et XVIe siècles. Ce cycle de publications vise à reconstruire la dynamique des échanges artistiques entre les principaux foyers de production, en tenant compte de toutes les techniques alors utilisées par les peintres, et en accordant une attention particulière aux réseaux entrecroisés des commanditaires. Sur le plan théorique, il cherche à mieux comprendre les mécanismes propres à la circulation des modèles, des oeuvres et des artistes. Ce programme a acquis une visibilité internationale, en ouvrant nombre de pistes nouvelles et en redécouvrant des pans entiers de la Renaissance française. Lire la suite Fermer

Grâce à cette exposition consacrée à Véronèse, découvrez l'oeuvre de cet artiste de l'école vénitienne du cinquecento. Coloriste raffiné, ayant un grand sens de l'espace et de la perspective, il laisse une oeuvre variée - fresques, portraits, scènes profanes ou sacrées, allégories... - caractérisée par des couleurs chatoyantes, des mises en scène rythmées et fastueuses et des décors théâtraux où se pressent d'innombrables personnages.

Ce livre est le résultat d'une enquête d'histoire de l'art, un véritable travail de limier qui permet de faire revivre l'univers pictural foisonnant dans lequel évoluent, entre Dijon et Avignon, les plus grands artistes du xve siècle.
Cette effervescence picturale a pour point de départ Avignon et un atelier, celui de de Jean Changenet, peintre favori d'une l'élite locale exigeante. Bientôt sa boutique devient un creuset européen dans lequel gravitent des artistes venus d'Espagne, d'Italie ou de Flandres.
Sophie Caron, conservateur au département des Peintures du musée du Louvre et Elliot Adam, historien de l'art, se livrent à un véritable jeu de piste pour reconstituer la trajectoire des peintres de cette constellation artistique et pour mieux comprendre les oeuvres parvenues jusqu'à nos jours - en évitant de les figer dans une « école » locale.
Livres enluminés, peintures murales et les vitraux, ici pour la première fois mis en relation, se révèlent au lecteur sans pour autant perdre de leur mystère.
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Fondé sur le connoisseurship et amorcé à l'Université de Genève dès 2010, le programme Peindre en France à la Renaissance cherche à reconstruire la dynamique de la peinture produite dans le royaume de France aux XVe et XVIe siècles, en tenant compte de toutes les techniques impliquées par le métier du peintre. Il a déjà généré huit volumes publiés aux éditions Silvana et qui forment collection.
Les deux premiers (2011-2012) ont fixé le cadre méthodologique. Les suivants se focalisent, chacun, sur un important foyer artistique : Lyon (2014) ; Troyes (2015) ; Dijon (2016) ; Rouen (2017) ;
Bourges (2018) ; Avignon (2019), Toulouse (2021).
Le présent ouvrage constitue le dixième tome de la série et est consacré à Amiens et à Beauvais.

Cinq cents ans après la mort de Léonard de Vinci, ce livre offre une vision renouvelée sur sa peinture, en dissociant les acquis scientifiques et historiques des fantaisies qui ont pu être écrites à propos de l'univers de l'artiste. Toutes les peintures connues de Léonard y sont décryptées avec de somptueuses illustrations en gros plan.

Diane de Poitiers (1500-1566), veuve de Louis de Brézé et favorite du roi Henri II, fait bâtir avec l'appui d'un amant de vingt ans son cadet et le concours des artistes de Fontainebleau le château d'Anet, chef d'oeuvre de l'architecture de la Renaissance française.
Mais c'est cette autre Diane, la chasseresse des Anciens, vive et farouche, dont la superbe figure coïncide si bien avec celle de la maîtresse des lieux, qui apparaît dans les deux principaux cycles narratifs du château : celui d'une célèbre tenture de tapisseries en onze pièces, et celui des vitraux en émail blanc qui occupaient les fenêtres du premier étage, notamment celles de l'appartement du roi.
Ce livre, qui conjugue et accorde les recherches de cinq historiens (de la littérature, du dessin, de la peinture et du vitrail), s'attache à ces deux ensembles, les reconstitue, en examine les sources et en évalue la portée. Il révèle le programme des tapisseries, sonde sa maîtrise des humanités, prend en compte sa date plus précoce qu'on ne le pensait - 1547 - et donne le nom de son auteur, le poète Jacques de Vintimille, habile précurseur de la Pléiade. L'ouvrage montre aussi qu'un peintre de l'école de Fontainebleau, Charles Carmoy, collaborateur de Primatice que Rabelais avait pris soin de mentionner dans son Pantagruel, dut en donner les dessins et les cartons.
L'examen de toutes ces oeuvres signale que, dans les vitraux comme dans les tapisseries, l'histoire et le mythe prenaient place au coeur d'un dispositif chiffré, héraldique, emblématique et poétique qui permettait à Diane de Poitiers de revêtir, au bénéfice de son roi, la panoplie esthétique et symbolique de la déesse.
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L'art italien de la Renaissance a longtemps été assimilé à la seule recherche de la beauté et de l'harmonie. Cet ouvrage fait pièce à cette légende dorée. En effet, les théoriciens et les artistes parviennent progressivement, selon un processus historique qui se déroule tout au long du XVIe siècle et se parachève à l'époque baroque, à penser la laideur en art autrement que comme un simple écart volontaire (transgression) ou involontaire (raté) par rapport à des normes de beauté de référence. Ils cherchent à articuler la beauté et la laideur qui, depuis la philosophie et l'esthétique antiques, se voyaient la plupart du temps opposées. On passe alors de la classique antithèse entre le beau et le laid à une belle laideur révélant une contiguïté, voire, avec la théorisation de la caricature et de la laideur idéale au XVIIe siècle, une coïncidence de ces deux notions contraires.

Cette belle laideur est d'abord pensée, à la fin de la Renaissance, sur le mode du paradoxe (le laid se voyant alors conférer des qualités traditionnellement attribuées au beau), puis, avec l'avènement de l'esthétique baroque, comme un oxymore (la laideur, voire l'horreur du contenu de l'imitation venant souligner le pouvoir transfigurateur de l'art et le talent de l'artiste). Lire la suite Fermer

Célébré dès le XVIe siècle comme un « excellent peintre, compatriote et parent d'Erasme de Rotterdam », Grégoire Guérard compte parmi les premiers « romanistes hollandais », aux côtés de Jan Gossaert et de Jan van Scorel. Il est attesté seulement par trois documents : en 1518, il demeure à Tournus après avoir accompli un séjour à Rome ; en 1522, il réalise un retable pour les Carmes de Chalon-sur-Saône ; en 1530, il est rémunéré pour un vitrail au château de Brancion (près de Tournus). Sur la base du document de 1522, il a pu être identifié, en 2005, au Maître du triptyque d'Autun. Ce peintre et verrier est considéré aujourd'hui comme l'auteur de plus d'une quarantaine d'oeuvres qui permettent d'en retracer le parcours : d'abord Troyes (1512) et Autun (1515) ; ensuite, l'Italie (1516-1517) et Tournus (1518-1530) ; enfin, de nouveau Troyes (1531-1538).
L'ouvrage s'articule sur le programme Peindre en France à la Renaissance, développé à l'Université de Genève depuis 2010. Il inaugure une série de monographies consacrées à des peintres injustement oubliés et ressuscités par l'oeil du connaisseur.
Il se donne deux objectifs : d'une part, redonner vie à une personnalité majeure de la Renaissance européenne ; d'autre part, souligner le rôle du connoisseurship comme fondement et moteur de l'histoire de l'art.
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Le musée des Beaux-Arts de Rennes possède une remarquable collection de peinture française sans cesse enrichie par des achats, donc et dépôts depuis les années 1950 autour d'un noyau de chefs-d'oeuvre tels que Le Nouveau-né de Georges de La Tour, Les Noces de Cana de Quentin Varin, La Flagellation de Jacques Blanchard ou les deux natures mortes de Chardin.
Remarquable aussi bien par la qualité et la quantité de pièces, cet ensemble n'a jamais fait l'objet d'une publication complète. L'ouvrage présenté ici permet à la fois de mesurer l'ampleur de cette collection mais aussi son accroissement exceptionnelle durant ces trente dernières années. Aux côtés de quelques oeuvres remarquables du XVIe siècle (La Femme entre les deux âges et le Bal à la cour des Valois) et du XVIIIe siècle (Boucher, Chardin, Vincent, Lagrenée, Amand, Doyen, Suvée...) la collection française du XVIIe siècle est désormais l'une des plus complètes des musées français (Varin, Lallemant, Tassel, La Hyre, Le Nain, La Tour, Vouet, Senelle, Blanchard, Baugin, Vignon, Stella, Corneille, Loir, Le Brun, Verdier, Coypel, La Fosse, Jouvenet, Boullogne...).
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Par-delà de leurs dorures à la feuille et de leur symbolique religieuse, les oeuvres majeures de la Renaissance italienne dissimulent des messages subliminaux, des mythes tenus secrets et des vérités historiques. Bien que le vocabulaire archaïque de la peinture historique les obscurcissent souvent à nos yeux, ces images reprennent vie grâce à une analyse minutieuse et une interprétation éclairée. Découvrez sous un nouveau jour les chefs-d'oeuvre de l'époque artistique la plus appréciée au fil de cette fascinante enquête historique et artistique.
Scènes de guerre, d'amour, images de naissance et de connaissance, les oeuvres de la Renaissance italienne ont beaucoup à raconter si l'on veut bien leur donner la parole. C'est précisément ce que font Rose-Marie et Rainer Hagen, en déconstruisant chacun des 12 tableaux présentés, tels de talentueux détectives qui lèvent un voile fascinant sur le passé.
De La Création d'Adam par Michel-Ange à La Bataille de San Romano par Ucello, du Saint-Jérôme dans son étude d'Antonello de Messine à la Pénélope et les prétendants de Pinturicchio, les oeuvres explorées incarnent l'inventivité et le génie de l'époque dans sa diversité, et ont été photographiées dans les musées les plus prestigieux au monde, parmi lesquels les Offices, le Prado et la National Gallery de Londres. Lire la suite Fermer