Johannes Vermeer (1632-1675) s'affirme comme l'un des maîtres incontestés de la peinture baroque hollandaise.

Ses couleurs vibrantes et son remarquable traitement de la lumière, véritable élément de composition des oeuvres, confèrent une atmosphère intimiste à ses scènes de genre tirées des intérieurs bourgeois de l'époque. Découvrez l'influence déterminante de ses contemporains sur son oeuvre, avec lesquels il rivalisa de finesse pour nous livrer ces rares témoignages de la Hollande du XVIIe siècle.

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Johannes Vermeer (1632-1675) is one of the undisputed masters of Dutch Baroque painting.

His vibrant colors and remarkable treatment of light, a true compositional element of his works, lend an intimate atmosphere to his genre scenes drawn from the bourgeois interiors of the time. Discover the determining influence of his contemporaries on his work, with whom he competed with finesse to deliver these rare testimonies of 17th century Holland. Lire la suite Fermer

Monographie à 9,95 euros sur l'artiste hollandais Rembrandt.
Maître incontesté du Siècle d'or néerlandais, Rembrandt (1606-1669) a profondément marqué l'art occidental par sa peinture et sa gravure. Ce scrutateur infatigable de l'âme humaine doublé d'un technicien de génie a su, grâce à son inimitable clair-obscur, insuffler force, mystère et profondeur à ses portraits, scènes bibliques ou historiques. Cet ouvrage vous invite à découvrir l'oeuvre prolifique de ce virtuose de la lumière, emblème éclatant du baroque.
La vie de Rembrandt est à l'image de la technique picturale qui a fait sa célébrité.
Claire d'abord : ce fils de grand bourgeois délaisse rapidement ses études de philosophie pour se consacrer à la peinture et à l'eau forte ; s'installant bien vite dans un atelier avec son ami Jan Lievens, multipliant les élèves, il est repéré rapidement par un riche négociant d'art, Hendrick van Uylenburgh, qui lui présente sa future femme, Saskia. A cette époque, les commandes croulent et le ménage vit dans l'aisance.
Obscure ensuite : après la mort de trois de ses enfants, Saskia est elle-même emporté par la phtisie, alors que
La Ronde de nuit reçoit un accueil froid de la part de ses commanditaires. D'année en année, ses dettes s'accumulent, ses concubinages avec ses servantes lui valent le blâme des bourgeois et de l'Eglise ainsi qu'un procès.
Son génie et son succès artistique ne se sont quant à eux toutefois jamais affaiblis. On célèbre ses portraits (collectifs, comme
La Ronde de nuit, Leçon d'anatomie du docteur Tulp ; intimes, comme ses autoportraits) comme ses scènes bibliques (Bethsabée au bain tenant la lettre de David) pour leurs jeux de contrastes qui attire le regard, pour l'humanité qui en ressort.

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Undisputed master of the Dutch Golden Age, Rembrandt (1606-1669) profoundly influenced Western art through his painting and engraving. This tireless scrutinizer of the human soul, coupled with a genius technician, was able, thanks to his inimitable chiaroscuro, to infuse strength, mystery and depth into his portraits, biblical or historical scenes. This book invites you to discover the prolific work of this virtuoso of light, a shining emblem of the Baroque.
Rembrandt's life is like the pictorial technique that made him famous.
First of all, this son of a wealthy bourgeois quickly abandoned his studies in philosophy to devote himself to painting and etching. He quickly set up a studio with his friend Jan Lievens, and increased his number of students, and was quickly spotted by a rich art dealer, Hendrick van Uylenburgh, who introduced him to his future wife, Saskia. At that time, orders were pouring in and the household was living comfortably.
Then darkness: after the death of three of his children, Saskia herself was taken by phthisis, while The Night Watch received a cold reception from his patrons. Year after year, his debts accumulated, his concubinage with his maids earned him the reproach of the bourgeoisie and the Church as well as a lawsuit.
However, his genius and artistic success never waned. His portraits (collective, such as The Night Watch, Dr. Tulp's Anatomy Lesson; intimate, such as his self-portraits) as well as his biblical scenes (Bathsheba at the bath holding David's letter) are celebrated for their play of contrasts that attracts the eye, for the humanity that emerges. Lire la suite Fermer

Découvrez la peinture espagnole de 1665 à 1920 à travers cet ouvrage.
La peinture espagnole est à son apogée au XVIIe, c'est ce que l'on nomme l'âge d'or.
La décadence de la peinture commença sous le règne de Charles II, aucun artiste n'est remarqué en cette période. La fin du XVIIe ne produisit qu'un artiste de talent, Carreno. Ferdinand VI établit à Madrid une Académie de peinture, d'architecture et de sculpture. Raphaël Mengs est nommé par Charles III, en 1761, surintendant général des beaux-arts. Un de ses élèves, Luis Paret y Alcazar, peint avec talent des paysages, des ports espagnols et d'agréables sujets d'intérieur. Admiré pour ses gravures, le peintre espagnol Francisco de Goya est un artiste majeur de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Figure du préromantisme, Goya a marqué l'art par son originalité. Après sa mort, les peintres reviennent aux sujets populaires. Dans la seconde moitié du XIXe, une nouvelle période s'est alors ouverte au cours de laquelle la peinture d'histoire retrouve ses lettres de noblesse. Quant à la peinture de genre et de paysage, les artistes Mariano Fortuny et Zamacoïs deviennnent célèbres. Plusieurs artistes espagnols obtinrent des récompenses à l'Exposition universelle de 1889. Enfin, au début du XXe, la peinture espagnole entre dans le modernisme. Avec le nom de Modernisme on désigne la période de l'histoire de l'art située entre l'impressionnisme et le premières avant-gardes ; on peut le situer entre 1890 et 1910, et en Catalogne. Ce phénomène culturel et artistique a coïncidé avec le développement social et politique d'une bourgeoisie catalane qui, avec le Modernisme, a trouvé un moyen de se démarquer.

Dans ce livre vous découvrirez l'âge d'or de la peinture espagnole, le peintre Murillo, la peinture dans les colonies de l'Amérique latine, celle à l'époque des bourbons, les peintres célèbres tels Meléndez et Goya, le classicisme et le romantisme, l'Historiscisme et l'académisme, le peintre Fortuny, l'école d'Olot, les premiers pas de la peinture moderne, les peintres Bastida et Nonnell. Lire la suite Fermer

Peintre "de grande bizarrerie et de noble invention", Pietro Paolini naît à Lucques, en Toscane, où il effectue l'essentiel de sa carrière. Il y fonde la première Académie de peinture, s'appuyant sur les principes de la représentation "al naturale" mise en pratique dans son atelier dont firent partie les frères Del Tintore.
Son séjour à Rome, dans les années 1620, nourrit les influences caravagesques de ses scènes de tricheurs, d'entremetteuses ou de diseuses de bonne aventure dans lesquelles il développe son goût pour l'étrange. Fin connaisseur de musique, Paolini est l'inventeur de motifs iconographiques déclinés en de multiples versions : le luthier, le joueur de piva ou le joueur de luth. Son art teinté de néo-vénétianisme propose des allégories savantes, parfois mystérieuses, et des portraits d'érudits ou de comédiens : celui de Fiorilli en Scaramouche témoigne d'une profondeur psychologique exceptionnelle.
Le catalogue raisonné enrichit le corpus des peintures autographes de l'artiste par de récentes découvertes, tout en attribuant de nombreuses oeuvres à son atelier. Il éclaire un art complexe, parfois déconcertant par le choix des sujets comme par sa technique picturale, et révèle un peintre talentueux, dérangeant autant que fascinant, un caravagesque de l'étrange. Lire la suite Fermer

Dans la seconde moitié du siècle des Lumières, littérature et peinture se font le reflet d'une vision originale de l'Homme et de son environnement. Sentiment et sensibilité deviennent de nouvelles qualités de l'âme, permettant une liberté inédite à ressentir le monde. La peinture offre un écho enthousiaste et inspiré à ces préoccupations inédites. Cet ouvrage accompagne une exposition en coproduction qui présente l'originalité de se dérouler simultanément dans deux institutions tout en proposant un catalogue commun.
Au musée des Beaux-Arts de Rennes s'expose la grande histoire, antique, religieuse et mythologique. Le Musée d'arts de Nantes met à l'honneur les différents genres, du grand portrait d'apparat aux sensibles natures mortes. Est ainsi embrassée l'évolution de la peinture française sur un siècle, depuis Antoine Watteau jusqu'au début du XIXe siècle. Le partage des oeuvres entre les musées s'appuie sur une opposition ancienne bien connue, que les hasards semblent avoir reproduite dans les collections : Rennes conserve davantage de peintures d'histoire que Nantes, qui s'illustre en revanche dans la peinture de genre.
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Très fervent catholique, Georges de La Tour a mis son talent, son pinceau et son atelier au service de la Réforme catholique, emplissant ses tableaux de saints et martyrs, symboles du renouveau de l'Eglise voulu par le concile de Trente. Toutes ces oeuvres sont communément réparties en diurnes dans la première partie de sa vie artistique et nocturnes dans la dernière période. La simplification est arbitraire, car il peignit, sa vie durant, tant en lumière extérieure directe qu'à la flamme d'une bougie. Mais on peut avancer, pour une lecture plus aisée, qu'ayant assimilé la manière du Caravage, il a peint, à partir de 1620, des scènes de vie quotidienne et des sujets religieux en flux de lumière provenant d'une source extérieure. A la manière des émules des peintres italiens et nordiques, cette lumière diurne provient soit de la gauche, à la manière de Rubens, soit de face.
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En 1688, Louis XIV fait appel à Jean Cotelle, peintre d'histoire très apprécié et miniaturiste confirmé, pour participer à la déco- ration du Grand Trianon, palais de plaisance, retiré de l'agitation de la cour. Au moment où le roi est en train de rédiger la pre- mière version de Manière de montrer les jardins de Versailles , il manifeste en effet le désir d'orner la galerie de Trianon d'un cycle ambitieux de vingt-quatre tableaux représentant les jardins, récemment créés par André Le Notre.
Cotelle se voit confi er l'essentiel de la prestigieuse commande, soit vingt-et-un tableaux, dont la réalisation s'effectue en seulement deux ans. Afi n de s'adapter au lieu, Cotelle peint dans un format vertical assez inhabituel. Dissimulés dans la végé- tation, les bosquets se prêtent à la représentation des plaisirs et des amours des dieux. Cotelle peuplent donc ses toiles, dans lesquelles transparaissent la fraîcheur des coloris et la délicatesse du dessin, de nymphes, déesses et héros tirés de la mytho- logie ou de la fable.
Cet ensemble unique, révélateur du goût du roi pour ses jardins, est complété par trois peintures de Jean-Baptiste Martin et d'Étienne Allegrain.
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Apart from a handful of art historians no sane person has ever heard of the Brussels painter Hendrick De Clerck (1560-1630). Nevertheless, De Clerck was a contemporary of Peter Paul Rubens and like Rubens he worked for the Archdukes Albert and Isabella. But while Rubens has gone down in history as an artistic trailblazer and painting powerhouse, Hendrick De Clerck has quietly faded into oblivion. Yet the subtly coded, vibrantly coloured pictures that De Clerck paints for Albert and Isabella are political propaganda of the highest order. In creating a mode of archducal representation that could help to gain an empire, the sky is quite literally the limit. De Clerck represents Isabella as wise Minerva, chaste Diana, the Virgin Mary. And that's nothing compared to her husband, for in De Clerck's paintings Albert is transformed into the sun god Apollo or even into Jesus Christ himself. Hendrick De Clerck's mastery of ingenious pictorial strategy made him a leading player in one of the most ambitious projects history has ever seen. For those who know how to read them, his paintings tell a story of power, political promises, and grandiose ambition. Most of all, they are supreme examples of image-building. For as the Archdukes were well aware, even as a monarch you're only as important as you make yourself.
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This volume offers the most comprehensive overview in print--and the first substantial English-language monograph in decades--on the great 17th-century Spanish painter Zurbarán. It spans his entire career, from his earliest commissions to key works from his mature period, plus works recently rediscovered over the past few years.
A contemporary of Velázquez, Zurbarán developed an austere vision that combined exacting realism with a palpable mysticism. Though he was sometimes known as "the Spanish Caravaggio" for his harsh use of chiaroscuro, Zurbarán's particular achievement was his creation of a more austere quietism, and a less foreboding if more melancholy atmosphere--qualities which lent themselves ideally to such genres as still lifes and his portraits of monks and martyrs, and which also ensured his importance for early modernism (especially Cubism).
Examining this beloved painter's oeuvre across six themed sections, Zurbarán: A New Perspective includes work by a selection of his most talented pupils, and by his son Juan de Zurbarán, also a superb still-life painter.
Francisco Zurbarán (1598-1664) is closely associated with the city of Seville, where he served his apprenticeship, and where his most famous painting, the ca. 1631 "Apotheosis of Saint Thomas Aquinas," now resides, at the Seville Museum. Zurbarán served as court painter to Philip IV, who is said to have revered him as "painter to the king, king of painters."
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Sur les rives de la Seille, dans la cité même qui vit naître, grandir, s'éveiller aux oeuvres de l'esprit et aux arts l'un des maîtres les plus aimés de la peinture française, un chef-d'oeuvre absolu, Saint Joseph charpentier, est venu rappeler, durant tout l'été 2016, que Vic était bien la patrie de Georges de La Tour. Les visiteurs du musée portant son nom n'ont pas manqué de s'arrêter longuement devant l'un des plus beaux tableaux de la peinture occidentale, généreusement prêté par le musée du Louvre. Au regard intériorisé du père adoptif, à celui, tout empreint d'admirative affection que porte l'Enfant sur celui qui l'éduque dans les principes de la Loi, répondait, à plus de quatre siècles de distance, la fascination que ce dialogue muet ne manquait pas de faire naître en chacun.
Le retour temporaire du Saint Joseph charpentier sur les terres de Georges de La Tour a été rendu possible grâce à un partenariat établi entre le musée du Louvre et le Département de la Moselle. Cette collaboration s'était déjà traduite, en 2013, par une première exposition, consacrée à la figure de saint Jérôme dans l'oeuvre du peintre lorrain. Le succès remporté par cette manifestation et la contribution scientifique qu'elle a permis d'apporter invitaient à renouveler l'opération. Fleuron des collections du Louvre, Saint Joseph charpentier se trouva ainsi tout à la fois à l'origine et au coeur d'une passionnante enquête portant non seulement sur le tableau lui-même et celui qui le peignit, mais aussi sur son mystérieux itinéraire depuis la Lorraine jusque vers l'Angleterre où il finit entre les mains du marchand d'art et mécène Percy Moore Turner, lequel, dans un geste d'une extraordinaire libéralité, en fit don au plus prestigieux musée français en 1948.
Le présent ouvrage, dû pour l'essentiel à la science rigoureuse et pointilleuse de Dimitri Salmon, collaborateur scientifique de conservation au département des Peintures du Louvre, constitue un chapitre inédit de l'histoire culturelle des relations entre la France et l'Angleterre au XXème siècle. Dans les multiples panoramas qu'il brosse, le livre touche à l'histoire de l'important phénomène de la collection, il concerne le marché de l'art, les relations entre musées et marchands, l'enrichissement du patrimoine, entre autres questions abordées. Les admirateurs et les spécialistes de Georges de La Tour liront avec un intérêt tout particulier le chapitre portant sur le Saint Joseph charpentier.
Que de questions demeurent aujourd'hui encore sans réponse !
Où le tableau fût-il peint et pour qui ? Quand et comment traversa -t-il la Manche ?
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La collection de peintures italiennes du XVIIè siècle exposée à Ajaccio est l'une des plus importantes de France.
L'organisation de ce genre d'exposition, en partenariat avec les Gallerie dell'Accademia di Venezia, permettra donc de mettre en valeur ces collections tout en constituant une étape importante dans la recherche en histoire de l'art sur ce siècle.
L'exposition, dont le commissariat est assuré par les deux grandes spécialistes de la peinture vénitienne du Seicento, permettra au public de découvrir une période méconnue, grâce à des oeuvres magnifiques exceptionnellement prêtées par les Beaux-Arts de Venise.

La vitalité et la diversité de l'école de peinture vénitienne du XVIIè siècle, qui bénéficie de l'apport novateur de nombreux artistes étrangers, sera illustrée par des peintures, des dessins mais aussi des sculptures. Le catalogue accompagnant l'exposition s'articulera autour de thèmes et genres qui connurent un succès prépondérant : portraits, autoportraits, allégories des arts, visions célestes, héros de la Bible et de l'histoire antique...en passant par des thèmes macabres qui stimulèrent particulièrement l'imagination des artistes comme des commanditaires.
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Le Musée Prinsenhof de Delft présentera une rétrospective exceptionnelle dédiée au célèbre peintre du XVIIe siècle Pieter de Hooch (1629 - après 1684). Ses plus belles vues de cours et d'intérieurs pourront ainsi être admirées dans la ville où elles ont été peintes. Ce hors-série replace l'oeuvre du peintre dans le contexte du Siècle d'or hollandais.

Charles Le Brun est l'un des grands créateurs qui incament à eux seuls une époque. De même que Boucher paraît emblématique du XVIIIe siècle galant, Delacroix du romantisme, Courbet du réalisme ou Monet de l'impressionnisme, Le Brun donne forme à l'art du Grand Siècle.
Rien ne prédestinait ce fils d'un modeste sculpteur de pierres tombales à mener une telle carrière. Premier peintre de Louis XIV pendant près de trente ans, principal artiste de la seconde moitié du XVI Ie siècle français, son talent polymorphe s'exprime aussi bien dans le très grand format, comme la tapisserie et les cartons à échelle du grand décor, que dans des esquisses plus intimes qui mettent en valeur la justesse et l'émotion de sa touche. Si la réputation du peintre souffre sans doute de son lien avec l'histoire politique du pays et de l'assimilation abusive de sa peinture à un art académique. voire à un art de propagande, l'examen des oeuvres montre, au contraire, le renouvellement incessant et l'extrême fécondité de son inspiration. À l'heure où toute l'Europe réhabilite ses artistes de cour, comme Rubens, Vélazquez, Pierre de Cortone ou Le Bemin, la France gagnerait à réévaluer à son tour la figure de Le Brun.
Cette grande exposition monographique et le catalogue qui l'accompagne entendent renoncer aux approches morcelées et trop spécialisées pour redonner une cohérence à cette figure d'exception, qui se distingue par la variété de ses dons, la vivacité de son imagination et son talent d'organisateur, qualités qui justifient l'ampleur des attributions que lui ont confiées Louis XIV et Colbert. Car si Le Brun ne fut pas le « dictateur des arts» d'une monarchie absolue, il en fut sans conteste le chef d'orchestre.
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Le propos de ce livre est de mener une enquête sur la peinture à Toulouse du XVIIe siècle à partir d'un corpus, sans équivalent pour une ville de province, d'une vingtaine de textes qui ont pris plusieurs formes telles que la littérature de dévotion visant à légitimer les images (Molinier), la glorification d'un décor (Malapeire) et la description de tableaux selon des critères artistiques (Dupuy du Grez) ; certains reflètent le point de vue d'un peintre sur son métier (Pader), d'autres s'attachent à la vie des peintres et ont contribué à la construction du mythe de l'artiste (Rivalz, Malliot). Ces écrits posent la question du statut du peintre, de la notion d'école, de l'éducation du regard pour distinguer une bonne peinture d'une mauvaise, de la réception d'une oeuvre, d'un artiste et du développement de l'art en dehors d'une cour princière.

La démarche privilégie les enjeux de ces textes replacés dans une histoire de l'art européenne. Il s'agit aussi d'examiner comment les auteurs ont assimilé les principaux préceptes artistiques pour proposer un discours adapté au contexte toulousain. La mise en relation des textes et des oeuvres donne fieu à une réflexion d'ordre méthodologique et historiographique qui permet de mieux comprendre non seulement la réception des artistes et de leur production mais également la construction d'une école de peinture.
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Nicolas Régnier est un artiste du xvii e siècle cosmopolite, audacieux et atypique. Flamand par son lieu de naissance, mais français par la langue et l'esprit, il réalise toute sa carrière en Italie. À Parme, à la cour des Farnèse, puis à Rome et Venise, où il vécut autant d'expertise et de commerce d'oeuvres d'art que de ses propres tableaux. À la renommée de l'artiste s'ajoutaient celle du collec- tionneur, de l'homme du monde et de la beauté de ses filles, qui furent ses modèles préférées.
L'ouvrage révèle l'extraordinaire modernité de cet artiste qui passa d'une peinture « au naturel » à la sensualité délicate et idéale d'oeuvres mêlant érotisme et mélodrame. La production très originale et variée de Régnier embrasse les portraits des plus grandes cours et les commandes religieuses les plus importantes, mais également, avec humour, la vie de bohème des tavernes et du peuple. La dimension subversive de certaines de ses toiles, évoquant le visage sombre ou grivois de la Rome du xvii e siècle, font de Régnier un peintre d'avant-garde qui sut renouveler le langage du Caravage.
Au-delà de la passionnante évolution stylistique du peintre, il s'agit également de découvrir la personnalité audacieuse de celui qui fut également un grand collectionneur et avait réuni des chefs-d'oeuvre de Giorgone, Dürer, Titien ou encore Rubens. Régnier s'affirme comme l'un des principaux marchand d'art de la place de Venise, capable de négocier les plus importants chefs-d'oeuvre ou de vendre en bloc à l'ambassadeur d'Angleterre vingt-trois tableaux de grands maîtres.
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La vision sereine et intensément poétique qu'avait Claude Gellée (1604-1682) du paysage classique a fixé une norme pour les générations à venir de peintres et de dessinateurs. Mieux que tout autre artiste, Le Lorrain savait allier la grandeur idéale d'un monde antique, rêvé, avec les impressions d'une nature réelle et expérimentée. On connaît aussi Le Lorrain pour ses savants effets de lumière, précurseurs des toiles de Turner et des impressionnistes. De son vivant, l'artiste jouissait d'une immense reconnaissance qui lui a valu les commandes des plus influents de son temps : Urbain VIII (Le Lorrain vivait à Rome), le roi d'Espagne, ainsi que de nombreux cardinaux et riches collectionneurs. Cet ouvrage qui examine Le Lorrain en tant que paysagiste, rapproche plusieurs collections prestigieuses dont celle du Louvre et celle du musée Teyler de Haarlem.
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350 ans après sa mort, le Rijksmuseum à Amsterdam rend hommage à Rembrandt en présentant dans une même exposition tous les Rembrandt de sa collection.

Redécouvrez grâce à ce hors-série l'un des peintres le plus célèbre du siècle d'or hollandais à travers cette collection unique au monde.

Celebrates one of the greatest painters of the Dutch Golden Age (Girl with a Pearl Earring, View of Delft, The Milkmaid and The Art of Painting).