Après les Haïkus du temps qui passe illustrés par Hokusai, ce nouveau volume des "Classiques en images" renoue avec la tradition du poème court japonais : 58 haïkus de Basho, Buson, Chiyo-Ni, Dakotsu, Issa, J¿s¿, Kyorai, Ryokan, Ry¿ta, Shiki, Shusai, Teishitsu... choisis pour montrer la beauté de paysages réalistes ou imaginaires à travers différentes saisons, les lieux, les états d'âme, la vie au jour le jour... Un recueil qui nous entraîne, sous le pinceau d'Hokusai, grâce à une représentation du monde vivant douce et poétique, dans une belle rêverie.

Catalogue officiel de l'exposition Corot, le peintre et ses modèles au musée Marmottan Monet à Paris, du 8 février au 22 juillet 2018. Les figures de Corot n'ont jamais fait l'objet d'une exposition d'une telle ampleur. Aujourd'hui universellement célèbre pour ses paysages, Camille Corot (1796-1875) fut aussi un immense peintre de figures ; Degas l'estimait d'ailleurs tout particulièrement en ce domaine, soulignant sa modernité. Portraits d'intimes et nus étranges, paysannes romaines et moines absorbés dans la lecture, enfants et modèles d'ateliers, femmes à la mode et hommes en armures, Corot aborda tous les genres avec succès, des toutes petites effigies de ses intimes à ses monumentales figures de fantaisie, dont la Femme à la perle au musée du Louvre est la plus célèbre.

Contemporain aussi bien d'Ingres auquel il rend hommage que de Courbet ou du jeune Manet, auquel il se confronte, Corot, au cours de sa longue carrière, cherche, avec ses figures, à élever un pont entre tradition et modernité.

Riche d'une soixantaine de chefs-d'oeuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées d'Europe et des États-Unis (musée du Louvre, musée des Beaux-Arts de Lyon, musée d'Art et d'Histoire de Genève, de Zurich, Metropolitan Museum of Art de New York, National Gallery de Washington, collection Thyssen-Bornemisza de Madrid...), cet ouvrage rend compte de l'exposition organisée par le musee Marmottan Monet, Corot, peindre la figure humaine, du 8 février au 8 juillet 2018. Il met en lumière cet aspect aussi original que brillant de la production de celui qui fut le premier paysagiste moderne.
Version bilingue français/anglais.Version bilingue français/anglais.
Coédition Editions Hazan/Musée Marmottan Monet Lire la suite Fermer

Découvrez à travers cet ouvrage l'art pictural de 1750 à 1880.
Le néoclassicisme se caractérise par un retour à l'esthétique et aux valeurs antiques. Au XIXe, le système académique mis en place par Louis XIV continue à maoeuvrer l'art. Cette esthétique dominante, où l'exactitude doit suivre à la profusion de détails et à une immense richesse de palette, lui valut très tôt le qualificatif péjoratif de " pompier ".

Pour les plus grands peintres français du Grand Siècle, Nicolas Poussin, Georges de La Tour, les frères Le Nain, Claude Lorrain, Charles Le Brun, Eustache Le Sueur, Valentin de Boulogne, Laurent de La Hyre ou Simon Vouet, le musée du Louvre est le point de départ obligé de toute étude. Le présent catalogue réunit la totalité de la collection de peintures françaises du XVIIe siècle du musée du Louvre, soit six cent vingt-six tableaux, avec des textes très détaillés pour les plus grands chefs-d'oeuvre, plus succincts pour les toiles d'un rang inférieur. Les reproductions sont elles aussi hiérarchisées, mettant en valeur les peintures les plus importantes, sans renoncer pour autant à l'exhaustivité. L'introduction présente l'histoire de cette collection exceptionnelle et de sa présentation au sein du palais, de la Grande Galerie en 1793 jusqu'aux salles Richelieu et Sully aujourd'hui.
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Le XVIIIe siècle n'a connu que deux poètes et ce furent des peintres : Watteau et Fragonard. Les tableaux de ce dernier sont devenus des manifestes de ce XVIIIe siècle français, triomphant et libertin. Pourtant des pans entiers de son existence demeuraient jusque-là mystérieux et peu étudiés, à commencer par ses origines grassoises et son cercle familial. Cette saga familiale, de Grasse à Paris nous mène sur les pas d'un des plus grands artistes français, à la fois génial et attachant. Tout en proposant un véritable livre d'art illustré par les plus grands tableaux du peintre grassois mais aussi de sa famille (notamment Marguerite Gérard), l'auteur a choisi d'entraîner le lecteur dans un véritable roman d'aventure, où tout se termine bien mais après moult mésaventures. Car au final, notre héros, Jean-Honoré Fragonard, est reconnu et célébré comme il le mérite dans de nombreux musées, au Louvre bien sûr et ailleurs en France mais aussi dans les plus grands musées du monde.
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Au-delà de la légèreté et de la frivolité que la critique a eu coutume de voir dans les tableaux d'Antoine Watteau, Walter Pater y découvre sa profonde mélancolie, son sérieux tragique et tout en délicatesse ; comme si dans ce monde de rêve galant que Watteau créait, il y avait déjà au début du XVIIIe siècle une prémonition de la fin tragique que devait connaître la société joyeuse et élégante qui l'inspirait. À l'occasion du troisième centenaire de la mort de Watteau (1684-1721), casimiro propose ce subtil texte de Walter Pater sur le grand maître de la peinture française du début du XVIIIe siècle. Walter Pater, (1839- 1894), essayiste anglais, historien de l'art et critique

Le comte Carl Gustaf Tessin assuma les fonctions d'ambassadeur de Suède à Paris de 1739 à 1742. Missionné par le roi Fredrik 1er pour défendre à Versailles les intérêts de son pays, et peut-être pour engager des artistes en vue de la décoration du Palais royal de Stockholm, il ne manqua pas de participer aux temps forts de la scène artistique parisienne. Durant ces trois années, grâce à sa familiarité avec le marché de l'art mais aussi en qualité de conseiller artistique du roi de Suède, il se livra à ce qu'il nommait sa "tableaumanie", collectionnant avec passion peintures et dessins, d'abord pour le compte du roi puis très vite pour son compte personnel, fréquentant de nombreux artistes, tels François Boucher ou Chardin, se liant d'amitié avec 1' "amateur" Pierre jean Mariette et achetant plus de deux mille dessins à l'exceptionnelle vente Crozat de 1741.
A son retour en Suède, criblé de dettes, il fut contraint de vendre une partie de sa collection de peintures et de dessins, dont la majeure partie est aujourd'hui conservée au Nationalmuseum de Stockholm. Bien plus qu'un florilège de chefs-d'oeuvre, cet ouvrage rend un hommage au plus extraordinaire collectionneur suédois, et donne par là même une image du marché de l'art et du goût parisien au milieu du XVIIIe siècle.
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En prenant appui essentiellement sur les archives et une multitude d'oeuvres retrouvées sur le terrain, cette étude, oscillant entre art et histoire, entend mettre pour la première fois en lumière la vie et la production des peintres ayant résidé et/ou travaillé entre 1701 et 1800 au duché de Luxembourg. Ce travail de recherche, axé spécifiquement sur un foyer artistique provincial, tient compte également des peintres itinérants et des travaux picturaux réalisés dans les pays circonvoisins pour des commanditaires luxembourgeois. Les données en grande majorité inédites contenues dans cet ouvrage permettent de rectifier de nombreuses erreurs véhiculées depuis le milieu du XIXe siècle et de proposer une photographie détaillée de la peinture luxembourgeoise du siècle des Lumières. Nous osons croire que les résultats obtenus rendront de précieux services aux institutions muséales de la Grande Région, mais aussi à la communauté scientifique, aux fabriques d'église, aux communes et aux amateurs d'art luxembourgeois. Lire la suite Fermer

L'iconotype désigne l'illustration formalisée d'une espèce conservée dans un musée d'histoire naturelle. Cet ouvrage réalisé avec le Museum d'Histoire naturelle d'Oxford se concentre plus spécifiquement sur les iconotypes de papillons dessinés ou peints par William Jones à partir de sa propre collection de papillons, puis de celles d'autres naturalistes comme Joseph Banks, ou de collections de musées, notamment celle du British Museum. Il en ressort 760 espèces représentées entre 1780 et 1800, dont beaucoup sont décrites scientifiquement pour la première fois. Un ensemble à la fois rigoureux et d'une grande beauté formelle.

Exposition présentée par le musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon, du 8 novembre 2019 au 2 mars 2020.

Le musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon conserve un ensemble de 10 modelli peints par François Boucher en 1742 pour servir de modèles aux lissiers des ateliers de Beauvais, qui créèrent ainsi la seconde Tenture chinoise. Cet ensemble constitue le point de départ d'une réflexion sur la place de la Chine dans l'art de Boucher.
L'histoire du marché de l'art en France dans les années 1730-1750 témoigne du goût grandissant pour les objets chinois et japonais. François Boucher est un acteur à part entière de ce marché : avant de devenir le peintre des petits cartons de la seconde Tenture chinoise et l'auteur de luxueuses peintures à la chinoise, il a découvert l'Asie d'abord par les objets, c'est-à-dire leurs matériaux et décors, chez les marchands et dans la collection qu'il débuta au cours des années 1730.
Le catalogue présente des objets d'art asiatiques et européens, des dessins, estampes, peintures et tapisseries, qui permettent d'évoquer de manière inédite la culture visuelle de François Boucher, la pratique d'un artiste-collectionneur parisien du milieu du xviii e siècle et, finalement, une parenthèse formidablement créatrice de dix ans dans la carrière du peintre.
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Surnommé « Hubert des ruines », le peintre et paysagiste Hubert Robert (1733-1808) fut un artiste prolifique qui acquit une réputation européenne et reçut des commandes jusqu'en Russie. L'exposition du Louvre réunit peintures, dessins, projets de décors ou de jardins.

Tableaux de la Révolution française est un intitulé ambigu qui, dans l'ignorance d'un contenu particulier, nous renvoie immédiatement à la peinture.
Or, la Collection complète des Tableaux historiques de la Révolution française est une succession chronologique d'événements marquants de la Révolution française, présentés chacun par un texte et illustrés par une gravure. Ce recueil ayant été conçu dans la dynamique de l'actualité qu'il relate, avec un décalage plus ou moins long, constitue un exemple exceptionnel d'écriture et de représentation contemporaine de l'Histoire.

Cet ouvrage étudie les quatre générations de la dynastie Bonnart, une famille d'artistes et de marchands implantée rue Saint-Jacques à Paris entre 1642 et 1762. Officiant dans les domaines de l'estampe, de la peinture et du dessin, elle est particulièrement célèbre pour son activité dans celui de la gravure de mode et notamment pour l'invention du portrait en mode, représentant les vedettes du siècle sous l'aspect de jeunes mannequins attrayants. A la fois diverses et très standardisées, ces images de mode connurent un grand succès et furent produites à des milliers d'exemplaires ; objets de nombreuses copies, reprises et variations, elles sont si intimement associées à la famille Bonnart et à ses deux boutiques de L'Aigle et du Coq qu'elles prirent, au XIXe siècle, le nom générique de bonnarts, même si bien d'autres éditeurs parisiens en produisirent, parfois antérieurement à la dynastie.
Cet aspect de leur commerce, avec ses multiples déclinaisons et appropriations dans le reste de l'Europe - voire au-delà, dans des contrées comme la Chine ou l'Inde -, est confronté à l'histoire des différents membres de la famille et au reste de sa production ; largement méconnu, celui-ci révèle des défenseurs fidèles de la monarchie et de la religion catholique, mais aussi des inventeurs habiles - très au fait des derniers développements de l'art de la Cour et des nouveautés en matière de mode, d'anecdotes et bruits du monde -, entretenant de nombreux liens avec la création contemporaine et ses acteurs. L'histoire familiale, avec ses parcours singuliers, de l'imprimeur en taille-douce Henri Ier Bonnart, fils d'un tailleur d'habits, jusqu'aux derniers descendants qui vendirent aux enchères les planches gravées, en passant par les membres influents de l'académie de Saint-Luc, éclaire la genèse et le succès des modes, qui ne sauraient être réduites à l'imagerie populaire et banale à laquelle elles sont souvent cantonnées. Lire la suite Fermer