L'année 2024 n'est pas seulement celle des JO ! Elle célèbre aussi les 100 du Surréalisme, mouvement majeur du 20e siècle cristallisé sous la plume d'André Breton, porté à son apogée par Dali et Magritte, mais aussi par Jean Arp, Paul Delvaux, Leonir Fini, Meret Oppenheim, et dont l'influence sur le 20 et 21e siècles demeure inégalée ! Ce mouvement fascinant, dynamique et provocateur est né au lendemain de la Grande Guerre. Il puise ses racines et ses thématiques dans l'inconscient, le rêve, la sexualité, la violence. Quels sont les grands fondements de ce mouvement ? Quels artistes, hommes comme femmes, l'ont durablement marqué ? Comment interpréter ses oeuvres étranges et mystérieuses ? Ce livre évènement propose une redécouverte des plus grands artistes surréaliste et une exploration des oeuvres fondatrices en peinture mais aussi en littérature, en poésie, au cinéma, en photographie... LE livre référence sur le Surréalisme ! Lire la suite Fermer

Monographie à 9,95 € sur l'artiste autrichien Gustav Klimt
La sensualité qui se dégage des ondulantes allégories féminines de Klimt ne peut laisser indifférent. C'est sûrement la raison pour laquelle cet artiste autrichien est le plus connu des représentants de la Sécession viennoise et de l'Art Nouveau, courants indissociables de ce génie. Cet ouvrage réunit l'ensemble de ses oeuvres, allant des allégories aux paysages, des mosaïques aux lithographies.

Klimt (1862-1918) fait partie des artistes qui ont porté au sommet l'Art nouveau et la Sécession de Vienne, deux mouvements artistiques majeurs du début du xxe siècle autrichien, caractérisés par des oeuvres aux lignes courbes, où l'on retrouve la présence de rythmes, de couleurs, d'ornementations inspirées de la nature. Peintures symbolistes, les oeuvres de Klimt regorgent d'allégories féminines, d'éléments décoratifs où les dorures et l'expressionisme naissant dominent. On le connaît notamment pour le touchant Baiser et, lorsqu'on prononce son nom, on se figure spontanément le portrait majestueux de sa Judith.

Martina Padberg est une spécialiste de l'art de la fin du XIXe siècle et du début du XXe. Elle est déjà l'auteure de plusieurs livres sur le musée d'Orsay, le mouvement impressionniste et l'art de la ville de Paris. Cette monographie présente près de 200 oeuvres du peintre sur 288 pages, en format 18 x 18 cm.

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The sensuality that emanates from Klimt's undulating female allegories cannot leave one indifferent. This is surely the reason why this Austrian artist is the best known of the representatives of the Viennese Secession and Art Nouveau, currents inseparable from this genius. This book brings together all of his works, from allegories to landscapes, from mosaics to lithographs.

Klimt (1862-1918) is one of the artists who brought to the top Art Nouveau and the Vienna Secession, two major artistic movements of the early twentieth century in Austria, characterized by works with curved lines, where we find the presence of rhythms, colors, ornamentation inspired by nature. Symbolist paintings, Klimt's works are full of female allegories, decorative elements where gilding and emerging expressionism dominate. He is best known for the touching Kiss, and when one mentions his name, one spontaneously imagines the majestic portrait of his Judith.

Martina Padberg is a specialist in the art of the late 19th and early 20th centuries. She is the author of several books on the Musée d'Orsay, the Impressionist movement and the art of the city of Paris. This monograph presents nearly 200 works of the painter on 288 pages, in 18 x 18 cm format. Lire la suite Fermer

La très importante rétrospective Nicolas de Staël qui se déroule, du 15 septembre 2023 au 21 janvier 2024, au Musée d'Art Moderne de Paris nous incite à rendre plus accessible encore l'unique recueil de ses lettres complètes, publié pour la première fois en 2014 et réimprimé dans une édition augmentée en 2016. C'est l'intégralité de ce volume qui est ici repris, sous une forme plus compacte grâce au papier plus fin mais tout aussi lisible, avec en annexe quatre lettres inédites au critique Georges Duthuit qui ont été retrouvées depuis. Sur la vie d'un artiste de cette importance, les lettres constituent un témoignage aussi capital, aussi passionnant que le sont par exemple celles de Van Gogh à son frère Théo et à ses proches. Ce qu'écrivait André Chastel dès leur première publication en 1968 : « Le public ignore en général l'ampleur et l'intérêt exceptionnel de cette correspondance qui [...] livre en quelque sorte l'autobiographie du peintre, dans le rythme même du vécu, dont aucun récit ne serait capable de restituer la puissance et la fierté » est non seulement toujours vrai, mais l'est même davantage encore car le corpus dont parlait l'historien s'est depuis enrichi de plus de 200 lettres inédites, dont une grande part de celles à Françoise Chapouton, sa deuxième épouse, et surtout toutes les lettres conservées par Jeanne Polge, pour laquelle le peintre éprouva une passion dévorante et qui éclairent d'une lumière nouvelle ses dernières années. L'appareil critique de Germain Viatte, ancien directeur du Musée national d'art moderne, permet de comprendre le contexte dans lequel les lettres sont écrites et par conséquent de lire ce livre comme la plus complète et éclairante des biographies. Le texte de Thomas Augais, qui vient en postface, souligne à juste titre combien l'écriture a tenu une grande place dans la vie du peintre, et quels furent ses rapports à la poésie.
C'est Staël dans son agitation, ses voyages, ses conflits, ses professions de foi, ses violences, ses hésitations... On y trouve aussi bien le récit des années de formation en Espagne et au Maroc que, dans la période des « lettres d'affaire », lorsque la gloire est venue, le dialogue avec des personnalités comme René Char, Pierre Lecuire ou Paul Rosenberg. Comme le résumait parfaitement Chastel : « Les lettres apportent donc tout ce qu'on a besoin de savoir - et au-delà - de Nicolas de Staël. Elles font paraître et parfois scintiller la constellation de personnes, de noms, d'intérêts, de curiosités qui accompagne, avec des changements nombreux et des évanouissements passagers, le parcours d'un être fort. » Lire la suite Fermer

Illustré de plus de 500 reproductions de tableaux et de 30 fac-similés de dessins, gravures, lettres, cet ouvrage propose une promenade éclairée à travers les grandes oeuvres de la peinture occidentale. Des fresques de Giotto aux expériences de l'art au XXe siècle, grande histoire et petite histoire se mêlent, ponctuées d'épisodes drôles ou tragiques, pour pénétrer au coeur de la création.
Ce beau livre de conception originale retrace, l'évolution de l'histoire de la peinture occidentale. Une conception qui renouvelle la découverte et l'approche des chefs-d'oeuvre de la peinture par une présentation « animée », originale et riche. Un livre-cadeau, aussi riche par son contenu que séduisant par sa forme, pour un prix abordable !

Après les Haïkus du temps qui passe illustrés par Hokusai, ce nouveau volume des "Classiques en images" renoue avec la tradition du poème court japonais : 58 haïkus de Basho, Buson, Chiyo-Ni, Dakotsu, Issa, J¿s¿, Kyorai, Ryokan, Ry¿ta, Shiki, Shusai, Teishitsu... choisis pour montrer la beauté de paysages réalistes ou imaginaires à travers différentes saisons, les lieux, les états d'âme, la vie au jour le jour... Un recueil qui nous entraîne, sous le pinceau d'Hokusai, grâce à une représentation du monde vivant douce et poétique, dans une belle rêverie.

Proche de Klimt, Egon Schiele (1890-1918) a pourtant développé un style bien différent.
Ses peintures et surtout ses nombreux dessins se caractérisent par un trait nerveux, marqué, expressif qui confère à ses oeuvres une intensité à la fois psychologique et sexuelle peu commune. Ses portraits dérangeants aux poses tordues, aux tonalités morbides ouvrent la voie à l'expressionnisme et à une esthétique choc qui marque toujours aussi profondément les esprits aujourd'hui.
Découvrez les plus belles oeuvres de ce peintre et dessinateur autrichien dans une monographie richement illustrée au format carré.

Languages : Fr. En.

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Close to Klimt, Egon Schiele (1890-1918) nevertheless developed a very different style.
His paintings and especially his numerous drawings are characterized by a nervous, marked, expressive line that gives his works an uncommon psychological and sexual intensity. With his disturbing portraits with twisted poses and morbid tones, Schiele opened the way to expressionism and a shocking aesthetic that still profoundly marks the minds today.
Discover the most beautiful works of this Austrian painter and draftsman in a richly illustrated monograph in square format. Lire la suite Fermer

« Se pourrait-il qu'un événement soit ce moment si singulier qu'il prend forme et consistance dans le plus grand silence pour répondre en écho, secrètement, à bien d'autres moments [...] et que tous forment alors, les uns pour les autres, et par les autres, une sorte de territoire, de constellation, où les appels deviennent accueils et les accueils appels ? »
C'est dans le sillage de tels événements fondateurs que nous entraine Franck Guyon. Au centre du récit, un événement pictural : la réalisation par Antonello de Messine d'une Vierge de l'Annonciation, à la fin du XVème siècle. De l'Annonciation, pourtant, le peintre sicilien ne représente rien - en tout cas rien de ce qui, dans la tradition, permet habituellement sa lecture : nulle colombe, nul ange surgi des espaces divins, ni la moindre trace narrative dans ce tableau de la Renaissance italienne. Au lieu de cela, un simple portrait de Marie, élue parmi toutes les femmes pour mettre au monde le Fils de Dieu. Cette mise au monde porte avec elle tout le mystère de l'Incarnation - du passage de la divinité transcendante à la vie terrestre. Voici l'événement indicible, édifiant, prêt à bouleverser une civilisation.
Ainsi, deux vertiges qui se répondent : le mystère de l'Incarnation et celui de son impossible représentation. À cette frontière où se rejoignent le mondain et le divin, où l'ubiquité s'affirme dans le lieu terrestre, où l'éternité rencontre le temps de l'homme, tout est à repenser au-delà des rapports logiques qui régissent la raison commune.
À partir du tableau exceptionnel d'Antonello de Messine dont il interroge la fascinante énigme (que peut un portrait devant ce destin ?), ponctuant son itinéraire des propos de théologiens, écrivains, poètes ou penseurs qui ont médité ces gouffres spirituels et picturaux, Franck Guyon nous mène au coeur de l'ineffable, de l'inénarrable, du retentissant silence qu'exige paradoxalement la vérité d'un épisode sans pareil. S'émerveillant de ce tableau dont la force est à la mesure du dénuement - condition même de la possibilité de manifestation de l'invisible - il nous plonge alors dans l'événement fondateur, qui ne fait qu'un avec celui du passage de la représentation à la présence : miracle parfaitement digne de l'Annonciation. Lire la suite Fermer

Perhaps best known for his exceptional apples and pears, Paul Cézanne (1839-1906) was one of the founding fathers of modern art. Though he was underappreciated and highly criticized during his life, as time passed Cézanne's work came to be considered of inestimable importance. His method of experimentation with abstraction and perspective was an important precursor to modern painting, particularly cubism.

« Les mots sont des béquilles qui permettent de faire un petit bout de chemin en direction de l'oeuvre. Dans un premier temps, ils peuvent servir à ouvrir les yeux enlisés dans des habitudes, montrer que l'on voit davantage avec ce que l'on a dans la tête que devant les yeux. Mais la plus grande partie du chemin reste hors de leur portée, puisque l'art, justement, est au-delà. » Outrenoir, entretiens avec Françoise Jaunin, 2012 Pierre Soulages est né le 24 décembre 1919 à Rodez.
Très jeune il est attiré par l'art roman et la préhistoire.
Ce n'est qu'en 1946 qu'il peut consacrer tout son temps à la peinture. Ses toiles où le noir domine sont abstraites et sombres. Elles sont aussitôt remarquées tant elles diffèrent de la peinture demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. D'autres oeuvres sont apparues où rythme, espace et lumière naissent des contacts violents du noir et du blanc sur l'entière surface de la toile, une autre lumière picturale.
En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville.
Attaché à sa terre natale, Soulages consent, en 2005, avec son épouse Colette, à une donation exceptionnelle à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez. Le musée Soulages à Rodez est inauguré en mai 2014.
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En paix ou en guerre, le Paris de la première moitié du XX? siècle vibre d'énergie fébrile. Les imaginations les plus débridées s'expriment dans des formes nouvelles dont les créateurs viennent de l'Europe entière. Le défi de l'industrie et les attentes du marché nourrissent l'architecture et l'ensemble des disciplines artistiques, qui donnent son visage quotidien à une ville délibérément moderne. Ce foisonnement est retracé selon le principe d'un dictionnaire, de la lettre «A», comme la photographe Laure Albin-Guillot, à la lettre «Z», comme le critique d'art Christian Zervos, en passant par Josephine Baker, Marcel Carné, Coco Chanel, Le Corbusier, Fernand Léger, Adolf Loos, Charlotte Perriand, Helena Rubinstein ou Tristan Tzara. Près de cent entrées composent un portrait sous forme de kaléidoscope amplement illustré. Un reportage photographique d'Antonio Martinelli donne à voir ce que le paysage architectural et urbain d'aujourd'hui révèle du Paris d'il y a cent ans. J-L. C., G.M.J. Lire la suite Fermer

Une histoire globale des avant-gardes picturales se doit d'expliquer pourquoi celles-ci apparurent en certains endroits et pas en d'autres, comment elles circulaient entre les pays et les capitales, ce qui les portait et si elles rompaient réellement avec leur temps, sachant que la plupart finirent par connaître une véritable canonisation.
Les avant-gardes lièrent leur sort au développement des journaux et des revues, c'est-à-dire à celui des techniques d'impression et de reproduction en série. Elles profitèrent également d'un vaste mouvement de circulation des idées, des hommes et des objets avec le développement des réseaux ferrés et des transports maritimes.
Dans le même temps se forgeaient les identités nationales, férues de tradition et de préservation des cultures. L'approche géopolitique met au jour ce processus par lequel les plasticiens novateurs recoururent à la référence étrangère pour s'opposer aux institutions nationales, travaillèrent à internationaliser leurs réputations pour mieux s'imposer contre le refus de l'innovation porté par le nationalisme, ou, au contraire, se laisser récupérer par des partis nationalistes et révolutionnaires.
Mais à côté des stratégies, réseaux et marchés, place est faite à l'analyse du contexte culturel et moral, économique et politique, matériel et social, affectif et spirituel des artistes des avant-gardes à partir de 1848. Jusqu'à la rupture de 1920, quand ces avant-gardes deviennent politiques, plaçant l'avenir de l'art dans celui de la Révolution.
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Edgar Degas (1834-1917), peintre, graveur, sculpteur et photographe est l'une des figures les plus mystérieuses de l'impressionnisme français.

Si les portraits de danseuses et les nus féminins, à la fois audacieux et délicats occupent une place prédominante dans son travail, ces thèmes ne doivent pas faire oublier le reste de l'oeuvre foisonnante de ce génie : courses de chevaux, paysages, lieux publics, repasseuses et autres personnages émerveillent tant par leur poésie que par leur réalisme, offrant ainsi un aperçu passionnant de la vie de son siècle.

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Edgar Degas (1834-1917), painter, engraver, sculptor and photographer is one of the most mysterious figures of French Impressionism.

If portraits of dancers and female nudes, both bold and delicate, are predominant in his work, these themes should not overshadow the rest of the abundant work of this genius: horse races, landscapes, public places, ironers and other characters amaze both by their poetry and their realism, offering a fascinating glimpse of the life of his century. Lire la suite Fermer

Aujourd'hui, les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) sont parmi les plus connues et les plus célébrées dans le monde. Les Tournesols, La Nuit étoilée ou l'Autoportrait à l'oreille bandée, parmi tant d'autres de ses peintures et dessins, laissent transparaître la dextérité unique de l'artiste à représenter les ambiances et les lieux par la peinture, le crayon, le fusain ou le pastel.
Pourtant alors qu'il déployait les couleurs vibrantes en touches expressives et les formes au contour délimité qui allaient faire sa renommée, van Gogh luttait contre le désintérêt de ses contemporains, mais aussi contre ses crises de folie. Ses épisodes de dépression et d'angoisse ont finalement eu raison de lui, puisqu'il se suicida en 1890, peu après son 37e anniversaire.
Cette introduction richement illustrée retrace la vie de Vincent van Gogh: ses premières oeuvres figurant paysans et ouvriers agricoles, sa lumineuse période parisienne et son dernier sursaut créatif, plein de frénésie, durant les deux dernières années de sa vie qu'il passa dans le Sud de la France. Lire la suite Fermer

Johannes Vermeer (1632-1675) s'affirme comme l'un des maîtres incontestés de la peinture baroque hollandaise.

Ses couleurs vibrantes et son remarquable traitement de la lumière, véritable élément de composition des oeuvres, confèrent une atmosphère intimiste à ses scènes de genre tirées des intérieurs bourgeois de l'époque. Découvrez l'influence déterminante de ses contemporains sur son oeuvre, avec lesquels il rivalisa de finesse pour nous livrer ces rares témoignages de la Hollande du XVIIe siècle.

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Johannes Vermeer (1632-1675) is one of the undisputed masters of Dutch Baroque painting.

His vibrant colors and remarkable treatment of light, a true compositional element of his works, lend an intimate atmosphere to his genre scenes drawn from the bourgeois interiors of the time. Discover the determining influence of his contemporaries on his work, with whom he competed with finesse to deliver these rare testimonies of 17th century Holland. Lire la suite Fermer

Fort de ses théories minutieuses et de milliers de tableaux, dessins et aquarelles, Paul Klee (1879-1940) est considéré comme l'un des chefs de file les plus cérébraux et les plus prolifiques de l'art européen au XXe siècle. Même s'il a souvent créé des petits formats, ses oeuvres sont remarquables par leur profondeur sophistiquée et leurs nuances méticuleuses visibles dans le trait, la couleur et les tonalités.
Le style de Klee s'est affirmé quand il est entré dans le groupe expressionniste allemand du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et surtout lors d'un voyage en Tunisie en 1914 qui a métamorphosé son usage de la couleur. Après la guerre, il enseigne dans la prestigieuse école du Bauhaus où ses cours, comme sa pratique émergente, ont mis en valeur le potentiel symbolique de la nuance, du trait et de la géométrie.
Klee s'est également inspiré du cubisme, de la poésie, de la musique, de la littérature, du langage et du pouvoir simpliste des oeuvres d'enfant. Célèbre pour ses personnages composés de simples traits, il a souvent allié une apparente naïveté à de rigoureuses compositions au sens profond.
Ce livre offre une sélection d'oeuvres majeures de Klee pour présenter son style et son influence. Paysages inondés de soleil et jeux de mots énigmatiques, découvrez un univers à la fois simpliste, symbolique et prodigieusement coloré. Lire la suite Fermer

Lors de sa première parution en 2005, ce livre s'est rapidement imposé comme un ouvrage de référence. Il a contribué à la reconnaissance du graphisme comme un domaine de création majeur en France. Si cette discipline a vu le jour grâce à la typographie, son champ d'action s'est élargi à l'affiche, l'édition, la presse, la construction d'une identité visuelle, la signalétique, l'habillage télévisuel, le web... Le graphisme dialogue aujourd'hui avec l'architecture, les arts plastiques, le design, la mode, la musique, l'audiovisuel et le numérique. La nouvelle édition de ce livre, riche de plus de 1000 illustrations, est augmentée d'un chapitre sur les années 2005-2020 qui témoigne de l'extraordinaire vitalité de la création graphique française de ces dernières années.

Depuis ses portraits de cour des souverains d'Espagne jusqu'aux horribles scènes de guerre et de souffrance, Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828) s'est imposé comme l'un des artistes espagnols les plus admirés et les plus controversés. Maître des formes et de la lumière, son influence a traversé les siècles: il a inspiré et fasciné de nombreux artistes, depuis le peintre romantique Eugène Delacroix jusqu'aux enfants terribles du «Brit art», les frères Chapman.
Né à Fuendetodos, en Espagne, en 1746, Goya débuta son apprentissage auprès de la famille royale d'Espagne en 1774, durant lequel il réalisa des tapisseries, des estampes et des dessins pour les magnifiques palais et résidences des souverains à travers le royaume. Il fut aussi soutenu par l'aristocratie et réalisa à sa demande des portraits de riches et puissants personnages peints dans un style caractéristique, toujours plus fluide et expressif. Plus tard, après avoir vaincu la maladie, l'artiste s'orienta vers des estampes et des dessins plus sombres, esquissant les prémices d'un univers cauchemardesque peuplé de sorcières, de fantômes et autres créatures fantastiques.
Ce fut toutefois grâce à sa terrible représentation de la guerre que Goya gagna une estime éternelle. Exécutés entre 1810 et 1820, Les Désastres de la guerre lui furent inspirés par les atrocités commises durant la lutte des Espagnols pour leur indépendance contre les Français et sont pénétrés du plus profond de la cruauté et du sadisme humains. Si les tonalités lugubres, les traits de pinceau agités et l'usage violent de la lumière typique du baroque avec ses contrastes sombres rappellent Velazquez et Rembrandt, le sujet et la manière avec laquelle Goya le traite sont sans équivalent dans leur brutalité et leur sincérité.
Cet ouvrage introductif, issu de la Petite Collection 2.0 proposée par TASCHEN, explore le large éventail de la remarquable carrière de Goya, de ses élégantes peintures de cour à ses représentations prophétiques sinistres pleines de souffrance et de grotesque. Au détour des pages sont abordés ses fameux portraits, tels que Manuel Osorio Manrique de Zuniga, la splendide Maja nue et La Fusillade du 3 mai 1808, une des scènes de guerre les plus émouvantes de toute l'histoire de l'art. Lire la suite Fermer

Tout commence à Paris, le 1?? juillet 1867, dans les fastes de l'Exposition Universelle : après la guerre de Sécession, les paysagistes d'outre-Atlantique, qui forment la première véritable école de leur pays, retrouvent, optimistes, le chemin de l'Europe. Mais les critiques français leur réservent ricanements et sarcasmes : «Cette exposition est indigne des fils de Washington. Au milieu de nos vieilles civilisations, les Américains font l'effet d'un géant fourvoyé dans une salle de bal.»Les peintres souhaitaient être reconnus dans le saint des saints de l'art contemporain. Ils comprirent immédiatement qu'ils n'avaient pas le choix : il fallait céder au goût français, puisque le goût français régnait sur le monde. Du géant, ils avaient les matières premières : l'espace géographique, les moyens économiques, le dynamisme. Pour le reste, les arts plastiques notamment, ils se rendaient bien compte qu'ils accusaient, face aux Européens, un énorme décalage. Leur humiliation à l'Exposition Universelle aiguillonna leur combativité. Et si les fils de Washington relevaient le défi ?L'épopée des peintres américains racontée par Annie Cohen-Solal nous transporte de Paris à New York, de Giverny à Chicago, de Pont-Aven à Taos, au Nouveau-Mexique, et s'achève à la Biennale de Venise, en 1948, lorsque sont présentées, pour la première fois en Europe, huit toiles de Jackson Pollock, un artiste inconnu des Européens de l'époque, mais bientôt célébré dans le monde entier comme le premier véritable maître américain. Lire la suite Fermer

Figure clé de l'avant-garde internationale, Piet Mondrian (1872-1944) était un extraordinaire peintre et théoricien de l'art, dont la profonde influence se ressent toujours aujourd'hui. Après avoir forgé l'expression «néoplasticisme», il a développé une peinture uniquement composée des couleurs primaires ressortant sur une grille de lignes noires verticales et horizontales et un fond blanc.
Selon Mondrian, cette peinture essentielle participerait à l'avènement d'une société dans laquelle l'art n'aurait pas de place, mais participerait plutôt à la réalisation totale de la «beauté». Mondrian a vécu à Amsterdam, Paris, Londres et New York, métropoles modernes qui l'ont inspiré, tout comme la musique contemporaine, et plus particulièrement le jazz. En 1917, il a participé à la fondation de De Stijl, d'abord une publication avant de devenir un cercle de professionnels se consacrant à l'art strictement géométrique des horizontales et des verticales.
À travers des oeuvres clés et des textes synthétiques, ce livre d'introduction présente le travail singulier et novateur de Mondrian, source d'inspiration inépuisable pour la mode, l'art, l'architecture et le design, des pochettes d'album des White Stripes aux robes Yves Saint Laurent. Lire la suite Fermer

Troubadours et trouvères nous dévoilent leur art poétique. Les miniatures de l'époque exaltent cet univers d'une liberté d'esprit saisissante. Une prodigieuse force de vie et d'amour jaillit de la mise en regard des 110 poèmes et des 200 illustrations.
Poésie de coeur et poésie de cour, cette anthologie célèbre les quatre siècles fondateurs de la poésie française, du x??? au x?? siècle, de Guillaume IX d'Aquitaine à François Villon en passant par la comtesse de Die, Ruteboeuf, Christine de Pizan ou encore Charles d'Orléans.
" On doit au Moyen Âge, écrit Michel Zink dans sa préface, d'avoir tissé le lien indissoluble entre la poésie et l'amour. " Le soupirant rend hommage à sa dame par un poème parfait, stylisé et achevé, il transcende son amour par l'écriture. Ce faisant, ce Moyen Âge poétique invente l'amour courtois. Amants souffrant du mal d'amour, dames lointaines et messagers confidents contribuent à transformer les relations amoureuses à travers l'Europe et marquent durablement l'imaginaire de notre civilisation.
Troubadours et trouvères choisirent de composer dans leur langue maternelle, en langue d'oc et en langue d'oïl. Ils offrent ainsi leurs lettres de noblesse à une lyrique en langue vulgaire, c'est la naissance de la poésie moderne. Chaque poème est publié dans sa traduction en français moderne et dans sa version originale.
Une liberté d'esprit et un appétit de vivre saisissants émanent de cette production poétique. Par son humanité, sa tendresse et son humour, cette célébration de l'amour, de la vie et de la nature nous touche et nous inspire.


Si le gothique flamboyant des XIV? au XV? siècle évoque la monumentalité des cathédrales, il fait éclore des trésors d'art d'un tout autre genre, moins ostensibles, mais tout aussi sublimes : les peintures de manuscrits. Objet rare et recherché avec ses peintures magistrales, ses lettrines rehaussées d'or, ses reliures en ivoire, en or ou en velours, le manuscrit enluminé sort du strict cadre clérical.
Épris de luxe et d'éclat, princes et riches mécènes passent des commandes fastueuses, comme le Livre du Coeur d'Amour épris de Barthélemy d'Eyck, ou encore Les très riches heures du duc de Berry. Les artistes rivalisent de minutie et de délicatesse dans le rendu de la lumière, des proportions ou des perspectives qui annoncent déjà la Renaissance.
Ces trésors méconnus, conservés à cause de leur fragilité dans les fonds des bibliothèques et musées, sont ici dévoilés. Notre publication crée, à partir d'une sélection de 200 miniatures, de véritables tableaux, reproduits en de puissantes pleines pages. Un spectacle exceptionnel ! Lire la suite Fermer

Inventé à partir de la boutade ironique d'un critique d'art sans qualité, le mot "impressionnisme" désigne moins un mouvement cohérent que la rencontre d'un groupe de peintres, soudé par le même rejet de l'académisme, qui choisirent d'exposer ensemble leurs oeuvres, entre 1874 et 1886. Qu'y a-t-il de commun, en effet, entre les paysages ruraux aux tons sourds de Pissarro et les coulisses de l'Opéra, traversées de lumière électrique et de tulle multicolore, peintes par Degas ?
Né sous le signe de Manet, l'impressionnisme s'oppose profondément à la conception classique de l'art et annonce l'avènement d'un nouvel ordre esthétique. Travail en plein air et sur le motif, scènes de la vie moderne et quotidienne, couleurs claires et juxtaposées, style inachevé "non fini", touches visibles et légères, vibration de la lumière, effets de cadrage : en moins de vingt ans, en fixant tout un monde de sensations et de visions éphémères, ces artistes ont réalisé l'une des révolutions les plus importantes de l'histoire de la peinture.
Outre le récit "historique", cette histoire de l'impressionnisme expose pleinement les caractéristiques de cette "nouvelle peinture" et la singularité qui, en dépit d'un projet commun, distingue les artistes du groupe des Batignolles. Elle révèle par ailleurs comment l'impressionnisme influencera les artistes à l'étranger (Angleterre, États-Unis, Espagne, Scandinavie ...), résonnera dans les autres arts (musique, littérature, photographie, cinéma) et conduira aux néo - et post-impressionnisme puis aux grandes mutations du XXe siècle, telle l'abstraction.
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Une monographie à 9,95€ sur le peintre français Toulouse-Lautrec.
L'affiche concoctée par Toulouse-Lautrec (1964-1901)pour vanter les plaisirs du Moulin Rouge est sûrement celle qui est restée la plus emblématique du célèbre cabaret, dont le dessinateur était un grand habitué.
Pilier du cercle des artistes bohèmes de la fin du XIXe siècle, on reconnaissait facilement la petite silhouette de Toulouse-Lautrec sillonner dans les rues et cafés de Montmartre; il aimait se déguiser au grand bonheur de ses amis photographes et l'exhibition était une de ses provocations favorites.
Ses toiles sont ainsi les témoins des scènes de la vie des artistes de l'époque: au bal, au spectacle ou au fond des cafés. On garde aussi de lui de nombreux et touchants portraits de femmes, la plupart des prostituées, dont il vantait la qualité de modèle, dans leur vie quotidienne.

Luanguages : Fr. En.

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The poster concocted by Toulouse-Lautrec (1964-1901) to praise the pleasures of the Moulin Rouge is surely the one that has remained the most emblematic of the famous cabaret, of which the artist was a great regular.
A pillar of the circle of bohemian artists at the end of the 19th century, Toulouse-Lautrec's little silhouette was easily recognizable in the streets and cafés of Montmartre; he liked to dress up to the delight of his photographer friends and exhibition was one of his favorite provocations.
His paintings are thus the witnesses of the scenes of the life of the artists of the time: at the ball, at the show or at the bottom of the cafes. He also painted many touching portraits of women, mostly prostitutes, whose quality as models he praised in their daily lives. Lire la suite Fermer

Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du pop art. L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat: un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public. À travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes. Lire la suite Fermer

LE LIVRESi de nos jours, rien n'est plus banal que des fleurs dans un vase, cet usage est longtemps reste me connu en Occident.
Si les premiers objets spe cifiquement conc us et fabrique s pour contenir un bouquet datent de la fin du XVIe sie cle, l'image du vase rempli de fleurs coupe es est bien plus ancienne. Elle est invente e au XIIIe sie cle, dans un contexte sacre , pour repre senter l'irrepre sentable : l'incarnation du fils de Dieu dans le corps d'une jeune fille vierge. La puissance conceptuelle et symbolique de ce « contenant fleuri » va permettre sa reprise dans la sphe re profane, dans le portrait et la nature morte en particulier, sa signification s'adaptant sans perdre la valeur originelle de son contenu the ologique. Par un hasard qui n'en est peut-e tre pas un, c'est au moment ou l'usage de mettre des fleurs coupe es dans un vase commence a e tre mieux documente , c'est-a -dire au sie cle des Lumie res alors que le sentiment religieux re gresse, qu'un peintre comme Chardin entreprend de peindre un bouquet tel qu'il le voit et non plus avec les « yeux de l'esprit ». Mais il faudra attendre l'e poque des impressionnistes et du de veloppement de l'horticulture, pour que les artistes commencent a reproduire sur la toile le bouquet « re el », place devant leur chevalet. Repris sans discontinuite depuis le XVIIe sie cle et jusqu'en ce troisie me mille naire, le motif re ve le la puissance d'un attrait que ne peut justifier la traditionnelle et moraliste interpre tation de symbole de vanite et du caracte re e phe me re de l'existence. Invente e pour figurer le myste re d'une gestation, l'image du vase de fleurs est devenue la me taphore d'une cre ativite inte rieure, fe conde et vivante. Lire la suite Fermer