Découvrez l'intensité, la richesse et la diversité de l'art russe entre 1800 et 1945, des grands maîtres du réalisme aux figures révolutionnaires de l'avant-garde. Un livre d'art captivant pour plonger dans l'histoire, les bouleversements et la créativité d'un pays en mutation.
Au XIXe siècle, les peintres russes, riche de leur expérience européenne, se détachent peu à peu du romantisme et de l'académisme. Ils se tournent vers un réalisme social, véritable révolution picturale menée de front par Ilya Repin, qui s'élève vite au rang d'art national.

Marquée à la fois par l'impressionnisme et le symbolisme, la peinture russe entre dans la modernité au début du XX avec les artistes de l'Avant-garde, tels Malevitch et Kandinsky, qui s'affirment rapidement comme les pionniers de l'art abstrait. C'est à présent au tour de l'art russe d'influer l'Europe occidentale.

Cet ouvrage offre un véritable panorama sur la peinture russe, ses spécificités et son évolution : du classicisme au romantisme, du réalisme à l'impressionnisme, de l'Art Nouveau au symbolisme. Pour finir sur le mouvement d'avant-garde. Une découverte passionnante. Lire la suite Fermer

Monographie sur l'oeuvre de Cézanne qui permet d'avoir une vue d'ensemble de son travail ainsi que de l'évolution de sa technique picturale.
--- Monograph on Cézanne's work that provides an overview of his work and the evolution of his painting technique.
S'il est souvent associé au mouvement impressionniste, Paul Cézanne (1839-1906) s'en détache pourtant rapidement. Ses recherches esthétiques sur les volumes, la perspective, les formes et les couleurs, à travers de nombreuses peintures mortes, mais aussi les paysages de sa Provence natale, l'amènent progressivement vers l'abstraction et font de lui un précurseur de l'art moderne. Découvrez l'évolution d'un peintre qui a su transposer en peinture sa vision unique du monde.

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Although he is often associated with the Impressionist movement, Paul Cézanne (1839-1906) quickly broke away from it. His aesthetic research on volumes, perspective, shapes and colors, through numerous still life paintings, but also the landscapes of his native Provence, gradually lead him to abstraction and make him a precursor of modern art. Discover the evolution of a painter who knew how to transpose in painting his unique vision of the world. Lire la suite Fermer

Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !

Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des di érents courants, et permet de comprendre en profondeur les infl uences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !

Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des différents courants, et permet de comprendre en profondeur les influences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. Lire la suite Fermer

Avec Salvador Dali en figure de proue, le grand vaisseau du Surréalisme a vogué sur les eaux turbulentes du début du vingtième siècle, les voiles gonflées par les rêves et les désirs. Inspirés par la pratique psychanalytique de Sigmund Freud, les Surréalistes considèrent que l'inconscient est le domaine de la vérité, non inhibée par les normes et les attentes de la société.
Par le biais de techniques comme l'hypnotisme, le noctambulisme ou l'écriture automatique, les comparses d'André Breton, Max Ernst, Brassaï et Meret Oppenheim ont produit peintures, dessins, textes et films dans lesquels ils ont cherché à sonder leurs instincts primaires les plus intimes. Leurs créations regorgent de fantasmes sexuels, de créatures mystérieuses, menaçantes, et juxtaposent des objets et des idées en apparence contradictoires.
Ce livre présente les origines et l'héritage sensationnel du mouvement surréaliste, qui a influencé de façon profonde et durable le cinéma, le théâtre, la littérature, l'art et la pensée.
Artistes présentés: Jean Arp, André Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, René Magritte, André Masson, Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Yves Tanguy. Lire la suite Fermer

Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière.

Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais réalisées en gravure. Déployant une palette de tons ambitieuse et variée, il l'a élevée à un rang supérieur en intensité conceptuelle, émotionnelle et spirituelle. Ses deux principales séries de gravures sur bois sur la Passion du Christ, nommées d'après leur taille la Grande Passion et la Petite Passion, sont particulièrement remarquables pour leur traitement vivant et plein d'humanité du récit chrétien. Dans sa gravure sur cuivre Mélancolie I, Dürer a créé une image surprenante du vide émotionnel, souvent citée comme l'une des premières représentations du vague à l'âme et de la dépression.

Éternel curieux, Dürer s'est nourri des idées de grands maîtres et artistes de son époque, en Allemagne mais aussi en Italie, tandis que sa propre influence s'est exercée dans toute l'Europe sur des générations après lui. Dans cette introduction essentielle proposée par TASCHEN, on découvre la pratique complexe de cette figure pionnière, son esprit éclectique et ses principales oeuvres, qu'il a laissées en guise d'héritage éternel. Lire la suite Fermer

A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.
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L'abstraction a secoué l'art occidental au plus profond. Au début du XXe siècle, elle a réfuté la toute-puissance des formes nettes et sans ambiguïté, et décidé de confronter le public à des poèmes visuels vivants, dépouillés de l'imagerie représentationnelle conventionnelle et caractérisés par des allégories d'émotions et de sensations.

Cette aventure esthétique radicale a défini de nouveaux moyens d'expression et de narration artistiques, caractérisés par des juxtapositions troublantes de couleurs, de lumière et de lignes. Les artistes ont alors abandonné pinceaux et chevalets pour jouer avec d'autres matériaux, d'autres méthodes et une nouvelle gestuelle: peintures commerciales et rouleaux, toiles brutes et non tendues, posées au sol, application à la main.

Cette introduction essentielle décrit la portée internationale, la profondeur conceptuelle et l'impact sismique de l'art abstrait dans une étude rigoureuse qui s'attache aux grands noms comme Picasso, Klee, Kline, Rothko et Pollock, mais aussi à des figures moins célèbres dont la contribution a été tout aussi significative, parmi lesquelles Antoni Tàpies, K.O. Gotz, Ad Reinhardt et Sophie Taeuber-Arp. Lire la suite Fermer

Par rapport à ses contemporains du XVIe siècle tardif à Venise, El Greco (1541­-1614) incarne leur exact opposé, un artiste au talent inné, extraordinairement doué, mais fermement décidé à suivre sa propre voie. Tout au long de sa carrière, depuis ses débuts en Crète jusqu'à ses séjours à Venise, à Rome, puis son installation à Tolède, en Espagne, «Le Grec» est demeuré à la marge de ses pairs, synthétisant différentes traditions artistiques de l'Occident pour créer un langage pictural unique.
Le style singulier de El Greco traduit un rejet du naturalisme autant que de la facilité. Des peintures comme Le Christ dépouillé de sa tunique (1577-1579), L'Enterrement du comte d'Orgaz (1586-1588) et L'Ouverture du Cinquième Sceau de l'Apocalypse (1608-1614) révèlent des figures allongées et tourmentées, des couleurs irréelles et un traitement expérimental de l'espace, autant d'éléments s'opposant à une lecture rapide et orientée, mais témoignant d'un art d'une profondeur épique et d'une grande beauté spirituelle.
Souvent considéré d'un oeil critique et suspicieux durant sa vie, El Greco fut redécouvert par un petit nombre d'admirateurs fervents parmi les peintres modernes, comme Pablo Picasso, Roger Fry et le pionnier du collectif «Der Blaue Reiter», Franz Marc. Aujourd'hui, l'artiste appartient au cercle restreint des grands maîtres de la peinture, autant comme figure d'exception de son temps que comme artiste de référence à travers les siècles.
Cette introduction de référence, issue de la Petite Collection 2.0 proposée par TASCHEN, explore les influences et les caractéristiques de la vision singulière et radicale de El Greco, de l'univers symbolique des icônes byzantines et les valeurs humanistes de la Renaissance aux prémices d'une pratique conceptuelle. Lire la suite Fermer

Par la protection de la puissante famille des Médicis, grâce à une multitude d'oeuvres profanes et religieuses et à ses contributions à la célèbre chapelle Sixtine, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) était bien placé pour devenir célèbre. Pourtant, après sa mort, son oeuvre tomba pendant près de 400 ans dans l'oubli. Ce n'est qu'à partir du XIXe siècle que le peintre commença à gagner les faveurs des historiens de l'art. Aujourd'hui, Botticelli est salué comme une figure déterminante des débuts de la Renaissance florentine. Ses oeuvres profanes, La Naissance de Vénus et Primavera, considérée comme une allégorie du printemps, figurent parmi les peintures les plus reconnues au monde, brillant par la finesse de leur détail, leurs lignes gracieuses et leur agencement équilibré. Ses compositions sont aussi fluides qu'ordonnées, ses personnages sont autant sereins que sensuels. En particulier, Vénus est l'icône de la beauté en histoire de l'art avec son teint pâle, sa délicatesse, sa douceur promesse de fécondité. En présentant les oeuvres clé de Botticelli, cette introduction incontournable éclaire la face cachée de cette légende de la Renaissance. À travers les scènes mythologiques et les allégories les plus connues du peintre, sans oublier ses peintures religieuses rayonnantes, on explore sa maîtrise de la figuration, du mouvement et de la ligne, qui n'a cessé d'inspirer les artistes, d'Edgar Degas à Andy Warhol, de René Magritte à Cindy Sherman. Lire la suite Fermer

Près d'un siècle après sa mort, l'artiste viennois Gustav Klimt (1862-1918) éblouit toujours par son érotisme décomplexé, ses surfaces éblouissantes et sa créativité expérimentale. Cette monographie rassemble toutes les oeuvres majeures de Klimt et des commentaires de sommités de l'histoire de l'art, ainsi que de rares documents issus des archives personnelles de Klimt.Grâce à des illustrations de la plus haute qualité et de nouvelles prises de vue de la célèbre frise du palais Stoclet, le livre raconte Klimt, figure majeure de la Sécession en 1897, ses représentations sans fard du corps féminin et sa lumineuse «période dorée», au cours de laquelle la feuille d'or vint apporter une texture et une tonalité chatoyantes à des oeuvres aussi célèbres que Le Baiser et le Portrait d'Adele Bloch Bauer I, surnommé le portrait de «la Dame en or».Grâce aux éblouissantes doubles pages et aux détails minutieusement choisis, cette monographie dévoile l'éventail des inspirations japonaises, byzantines et allégoriques qui irriguent les perspectives horizontales, le répertoire symbolique et les textures proches des mosaïques de Klimt. Fondé sur les critiques et grandes voix de l'époque, ce livre s'attarde aussi sur l'accueil mitigé de ses oeuvres par le monde de l'art et sur son évolution stylistique. De ses paysages à ses toiles érotiques, jusqu'au plafond controversé de la grande salle d'accueil de l'université de Vienne, on comprend à quel point la presse et le public furent divisés par le mélange de tradition et d'audace chez Klimt, pornographe pour les uns, maître de l'art moderne pour les autres. Lire la suite Fermer

Roberto Longhi (1889-1970), l'un des plus grands historiens de l'art du XXe siècle, est l'auteur d'une oeuvre monumentale explorant en détail la peinture italienne. En 1914, le jeune Longhi n'a pas vingtcinq ans, mais déjà une plume alerte et des ambitions affirmées : le voici qui écrit pour ses élèves du lycée une Brève mais véridique histoire de la peinture italienne, énonçant les principes formels de l'art italien et étudiant son développement depuis les mosaïques byzantines jusqu'à la Renaissance et à l'ère baroque.
La première partie de l'ouvrage, intitulée « Idées », fournit une méthode nouvelle pour l'analyse du style des artistes ; la seconde, « Histoire », déroule une histoire de l'art italien à la lumière de cette méthodologie.
Longhi se révèle un maître subversif : au classicisme de Raphaël ou des Carrache, il préfère largement Piero della Francesca et Caravage, deux peintres encore peu célébrés qu'il contribuera grandement à faire sortir de l'oubli. Quant à Cézanne et aux impressionnistes, ils trouvent ici leur place comme la quintessence de la peinture italienne ! Mieux qu'aucune autre synthèse, ce voyage initiatique permet au lecteur de regarder des tableaux majeurs avec autant de savoir que de passion. Lire la suite Fermer

Balthus fut un peintre rare.
Rare par son talent si singulier, par sa vision de la peinture, par son refus de suivre les modes. Rare aussi par sa légendaire discrétion, cette réticence profonde à parler de son oeuvre. Dans ce livre d'entretiens commencés en 1989, et se déroulant sur une douzaine d'années, on peut enfin entendre la véritable voix du peintre. De Paris à la villa Médicis à Rome, sans oublier la maison de Chassy et les montagnes suisses, Balthus a vécu dans des cadres privilégiés, connu des personnages brillants, sans jamais renoncer à ses certitudes intimes ni hypothéquer son art.
Un art dont il parle ici avec finesse et émotion.

L'impressionnisme est le premier mouvement artistique qui s'est consacré entièrement à la représentation de la vie moderne et du monde contemporain. La plupart des ouvrages qui proposent une approche historique du mouvement ont trop souvent pour caractéristique de négliger cet aspect. Ils sont organisés soit chronologiquement soit par noms d'artistes, en général les plus ¬ célèbres : Manet, Monet, Renoir, Degas, Pisssaro, etc. Le parti du présent ouvrage est bien différent. Jamses H. Runin part du principe que, loin de se borner à restituer jeux de lumière ou variations atmosphériques, la peinture impressionniste est une peinture de contenu. Elle nous renvoie des aspects précis et détaillées de l'époque vécue par les artistes qu'il convient de regarder donc « de près ». En particulier parce que le programme esthétique de cette école entend célébrer la « modernité » qui s'empare du mode de vie, à partir du milieu du XIXe siècle, sous le double effet des progrès technologiques de la révolution industrielle et du développement des loisirs. Les oeuvres, étudiées isolément, sont ainsi regroupées par thèmes - les thèmes de prédilection traités par les impressionnistes : vues urbaines, scènes de la vie citadine, des cafés et des bals comme des usines ou du moderne chemin de fer ; intérieurs bourgeois et cercles de familles ; lieux de villégiature à la campagne ou sur les bords de mer ; régates et baignades, etc.
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A Giverny, Claude Monet créa bien plus qu'un jardin.
Entre ses mains, la terre se fit toile ; certains massifs devinrent sa "boîte de couleurs".
De ce paysage naquirent plus de cinq cents tableaux parmi, les plus célèbres du monde.
Aujourd'hui restauré après une longue période d'abandon, il offre un spectacle prisé par de nombreux visiteurs.
Parmi tous les autres ouvrages consacrés à ce lieu magique, ce livre est unique en son genre.
En nous introduisant dans les coulisses du jardin réputé, il nous révèle le travail acharné, toute l'activité insoupçonnée et les secrets horticoles des jardiniers qui, hors de vue du public, sèment, taillent, repiquent, plantent sans relâche de façon à obtenir de splendides effets de "naturel" ou de "sauvage".
Les jardiniers amateurs, même les plus chevronnés, pourront y puiser de précieux conseils pour donner à leur jardin privé une touche impressionniste et des allures de tableau changeant à chaque saison. Lire la suite Fermer

Cet ouvrage exceptionnel permet d'admirer La Cène de Léonard de Vinci en 16 milliards de pixels ! C'est ce qu'a réussi à faire, en assemblant 1677 photos une firme italienne et c'est à ce jour la plus haute définition jamais réalisée pour une photo : en zoomant n'importe où sur la fresque le " détail invisible " se transforme en une " vue aérienne " qui donne le vertige ! Et on peut voir que, contrairement à ce qu'affirmait Dan Brown, Marie Madeleine n'était pas assise à la droite de Jésus !
La Cène qui illustre le dernier souper de Jésus avec ses apôtres, la veille de sa crucifixion, est l'une des plus célèbres fresques de Léonard de Vinci. Elle a été peinte dans le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan entre 1494 et 1498 par Leonardo da Vinci. Lorsqu'il a commencé à jeter ses premiers traits de pinceau, en 1494, sur le mur du réfectoire l'artiste ne se doutait certainement pas qu'il était sur le point de créer l'un des plus grands chefs-d'oeuvre artistiques de tous les temps. En adoptant sa toute nouvelle technique de peinture à sec, le génie de la Renaissance n'avait pas non plus prévu qu'il allait condamner son travail à une fragilité particulière, et mettre la conservation de l'oeuvre en péril pour les siècles à venir. Cette même technique, cependant, a permis une amélioration de l'unité chromatique, un meilleur rendu des transparences et des effets de lumière, et une extrême précision dans le détail. Aujourd'hui - grâce à l'agrandissement exclusif réalisé par la firme Haltadefinizione - nous avons le privilège d'admirer même les plus petits détails de La Cène, même ceux invisibles à l'oeil nu. Vous apprécierez de près les expressions réalistes sur les visages de chaque apôtre, les mouvements et les positions de leurs mains, et les moindres détails de la décoration de la table, entrant ainsi quasi en contact direct avec le génie de Leonard da Vinci. Lire la suite Fermer

L'enseigne de Gersaint (1720) et Le balcon (1869), deux des toiles les plus célèbres de Watteau et Manet, donnent la mesure du changement radical qui se produit entre le XVIIIe et le XIXe siècle dans la culture européenne. Durant le XVIIIe siècle, les femmes nobles jouissent d'une grande liberté, tant sexuelle qu'intellectuelle ou politique. Or, un puissant mouvement d'opposition - emmené, entre autre, par Jean-Jacques Rousseau - révoquent ces libertés à la Révolution. Le monde nouveau d'après 1789 s'emploie à confiner les femmes dans un rôle de gardiennes du foyer, vouées à la vie domestique.
Au XIXe siècle, le pouvoir masculin triomphe. La subordination des femmes s'accompagne d'une érotisation et d'une réification du corps féminin. Pour preuve, la peinture de nu très en vogue durant tout le siècle. C'est Édouard Manet, au courage discret mais déterminé, qui, le premier, inversera les valeurs, en composant, notamment Le déjeuner sur l'herbe dont l'analyse couronne Éros et vertu.
Le style efficace d'Alberto Mario Banti rend la lecture de cet ouvrage novateur non seulement agréable mais très stimulante.
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Une splendide somme sur la peinture flamande et hollandaise
Dans l'Europe du XVe siècle, l'art italien et l'art flamand prédominaient. Ce sont les voyageurs et les marchands italiens qui découvrirent avec émerveillement la recherche du vrai et le sens de la couleur des Primitifs de l'école du Nord. Ils ne tardèrent pas à importer en Italie des oeuvres représentatives. Il y eut alors entre les artistes une profonde estime et de véritables échanges. Dès la Renaissance, de nombreux maîtres flamands complétèrent leur formation à Rome, où ils se rendaient pour étudier les souvenirs de l'antique.
Désignées généralement sous le même terme de " peinture flamande ", les peintures flamande et hollandaise ne semblent pas présenter de différences manifestes dans la façon de peindre, les distinctions se font en revanche plus nettes dans la peinture religieuse. Elles se traduisent en Flandres sous le pouvoir des Majestés catholiques par une abondante peinture ornementale et par l'interprétation des sujets religieux en Hollande.
De Van Eyck, Pierre Paul Rubens, Van Dyck, Rembrandt à Vermeer, ce magnifique album superbement illustré étudie et détaille tous les genres - portrait, paysage, nature morte, scènes d'intérieur -, abordés par tous ces grands artistes de l'Europe du Nord, qui ont traversé les siècles et nous fascinent encore aujourd'hui. Lire la suite Fermer

Amorcée en Italie, l'émancipation intellectuelle de la Renaissance gagne rapidement toute l'Europe occidentale.
Une nouvelle perception de l'homme et de la nature prend corps. Dans les domaines dédiés à l'art, le style gothique médiéval cède le pas à l'esthétique humaniste, guidée par un retour aux canons artistiques et aux thèmes de l'Antiquité classique gréco-romaine, et par un intérêt nouveau pour la perspective, la lumière, les formes. Ce volume célèbre l'art européen de la Renaissance et son expression, depuis le gothique tardif du XVe siècle jusqu'au maniérisme du XVIe siècle, à travers les peintures les plus significatives de cent grands artistes italiens, flamands, français, allemands, hollandais et espagnols.
Il se propose de confronter les visions de peintres illustres, de Van Eyck, Masaccio, Van der Weyden, Piero della Francesca, Fouquet, Antonello de Messine, Bosch, Léonard de Vinci, Dürer, Grünewald, Michel-Ange, Giorgione, Altdorfer, Titien, Raphaël, Holbein, Le Tintoret, Véronèse, Bruegel ou encore Le Greco. Plus de cinq cents peintures, toutes reproduites en couleurs, retracent ces deux siècles de création, pays par pays.
Chaque mouvement artistique est introduit par une brève synthèse. Des biographies d'artistes et de courts textes didactiques accompagnent les illustrations pour donner au lecteur des outils de compréhension, vivants et accessibles, de cette période clef de l'histoire de l'art européen.
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